Sammlung Thilo Götze Regenbogen (Archive, Kunstwerke, Bibliotheken) : Kommentare

Helmut Göring (1917-2013) und seine Schüler

tgregenbogen — 2014-10-07T12:06:00Z

Helmut Göring, ohne Titel, Acrylmalerei auf Holz, 1992, Foto: TGR

Am Sonntag, den 5. Oktober 2014, wurde im Kulturzentrum Herrenhof Mußbach bei Neustadt an der Weinstraße die mit 63 Exponaten umfangreichste Ausstellung mit Werken des Kaiserslauterer Meisters gezeigt, von dem einzig 1969 in der Pfalzgalerie Kaiserslautern eine vergleichbare Retrospektive zu sehen gewesen ist.

Anne Göring, die Witwe des Künstlers im Gespräch mit TGR, Foto: Reinhild Schreiber

Was die Mußbacher Retrospektive besonders auszeichnet ist allerdings, daß die Werkschau sehr zahlreiche und z.T. auch großformatige Werke aus den - wie alle erstaunt registrierten - späteren Jahrzehnten des künstlerischen Schaffens von Helmut Göring präsentiert und dies gibt der Ausstellung eine einmalige Kraft und Vitalität (Kuratoren: Otfried H. Culmann und Werner Korb). Man kann deutlich sehen, wie nahe Görings späteres Schaffen noch seinen frühen Wurzeln bei Max Ernst und Paul Klee ist und dies erst macht die Sache rund.

Drei Werke von Helmut Göring, Foto: Otfried H. Culmann

Die Laudatio hielt Peter Gängel, ebenfalls ein durchdachter und runder Beitrag zur Veranstaltung, der alle 14 Göring-Schüler ansprach, Foto: TGR

TGR in seiner Koje mit dem großen Pastell und den zwei Studien mit den Korrekturen von Helmut Göring 1969, Foto: Reinhild Schreiber

Norbert Roth neben der Zeichnung von TGR, der ihn 1969 porträtierte, Foto: TGR

Die Keramikmeisterin Lotte Reimers zu Besuch bei TGR, Foto: Volker Koehl

TGR mit dem Maler und Zeichner Kurt Wilhelm Hofmann, Foto: Reinhild Schreiber

Gruppenfoto einiger Göring-Schüler mit Anne Göring. Hintere Reihe von links: Gernot Rumpf, Otfried H. Culmann, Valy Wahl, Werner Korb, Rolf Fleckenstein, Hans Günther Ray Sommer; vordere Reihe von links: Edgar Blum, Wolfgang Schwehm, Anne Göring, Thilo Götze Regenbogen. Foto: Reinhild Schreiber

Die Ausstellung in der Kunsthalle des Herrenhof Mußbach zeigt Arbeiten von Edgar Blum, Otfried H. Culmann, Rolf Fleckenstein, Helmut Göring, Thilo Götze Regenbogen, Bernd Kastenholz, Werner Korb, Bernd Müller Dennhof, Gernot Rumpf, Stefan Runge, Wolfgang Schwehm, Friedrich Weschmitt, Hans Günther Ray Sommer, Valy Wahl und Edgar Winkelmann. Sie ist damit die nicht nur die erste Ausstellung der Göring-Schüler, sondern Dank der kuratorischen Recherche und Kontaktpflege auch die erste von drei Generationen dieser Schüler!

Ab Mittwoch sind außerdem zwei weitere Werke von Thilo Götze Regenbogen aus seiner ars phantastica-Werkphase Teil der laufenden Ausstellung, darunter ein Blatt aus dem Traumfährte-Zyklus (1970):

Foto: TGR

Dieses aktuelle Installationsfoto sandte freundlicherweise Werner Korb:

Foto: Werner Korb

Die Ausstellung in der Kunsthalle des Herrenhof ist so+fei 11-18 Uhr, mi 18-20 Uhr und sa 14-18 Uhr geöffnet und endet am 26. Oktober 2014.

Das im Link unten erwähnte Fundus-Heft "21 Notate" von TGR zu Helmut Göring 1966-1971 liegt am Empfang auf. Es sind die letzten verfügbaren Exemplare dieser ersten sowohl persönlichen wie wissenschaftlichen Sicht auf den Meister und Anreger an der Werkkunstschule Kaiserslautern! Hier in der zweiten Auflage mit zahlreichen Ergänzungen auf 24 Seiten.

Links:

http://www.herrenhof-mussbach.de/index.php/range.listevents/-

http://www.herrenhof-mussbach.de/index.php/events/icalrepeat.detail/2014/10/05/640/-/helmut-goering-und-seine-schueler

http://tgregenbogen.twoday.net/stories/603125466/

Zu den Inhalten, Perspektiven und Zukünften des Gesamtbestandes

tgregenbogen — 2014-09-01T09:09:00Z

Feldbefreier-Vitrine zu Rolf Schwendter (1939-2013) und Mascha Grüne (Detail), Foto: EygenArt Verlag TGR 2014

Sammlung Thilo Götze Regenbogen (STGR)

Zu den Inhalten, Perspektiven und Zukünften des Gesamtbestandes

Zu den Inhalten

Die Inhalte der Sammlung resultieren sämtlich aus einer bestimmten Lebenspraxis. Ich habe mir angewöhnt, von drei Hauptbereichen in meinem bisherigen Leben zu sprechen: Spiritualität-Buddhismus, Forschung-Wissenschaft, Gestaltung-Kunst. In allen habe ich über Jahrzehnte Erfahrungen mit Menschen, Regeln und Kommunikationsformen gesammelt, die meine weiteren Schritte mitbestimmt haben.

Während meines Studiums von Spiritualität-Buddhismus habe ich niemals auf Dauer Funktionsstellen in den Gemeinschaften angestrebt, in denen ich studiert und praktiziert habe. Erst in Raum 1 habe ich schrittweise die Funktion des Lehrers und Leiters der "Ökumene der Unbefangenheit" eingenommen. So kann ich mich jetzt institutionell auf keinen externen Organisationszusammenhang stützen.

Während meiner Arbeit im Bereich Forschung-Wissenschaft habe ich niemals länger akademische Ambitionen verfolgt, so daß der überwiegende Teil meiner Forschung und ihrer Ergebnisse frei bestimmt werden konnte und selbst finanziert werden mußte. Auch hier kann ich mich also für die Zukunft nicht auf externe Institutionen wie etwa Universitäten stützen.

Während meiner Arbeit als Künstler im Bereich Gestaltung-Kunst habe ich niemals länger versucht, ein Teil des Kunstmarkt-Geschehens zu werden, mich dessen Regeln zu beugen. Meine Bemühungen folgten den Prinzipien von Selbstorganisation, Selbstrepräsentation, Aktivitäten als Produzentengalerie etc., zuletzt im Zusammenhang des Raum 1 Forschungsinstituts für Gegenwartskunst (1991-2003 in Kriftel, seit 2003 in Hofheim am Taunus).

Es ist also keineswegs zufällig, daß zum Bestand der Sammlung auch das Archiv Alternativkulturen gehört. Meine gesamte Lebenspraxis und die Arbeit in den drei genannten Feldern war auf die Entfaltung alternativer Lebensweisen gerichtet.
Die Forschungsresultate und Sammlungen zu den Weisheitsüberlieferungen in Kunst und Kultur der Moderne seit 1800 stellen den Zusammenhang dieser Bemühungen mit Geschichte und Gegenwartskultur her.

Sammeln und Bewahren, Forschen und Gestalten haben in diesem aufgezeigten Kontext stattgefunden und es ist mein Wunsch für die Zukunft, daß dieser Kontext für andere Forscher, Gestalter und Sammler bewahrt werden kann. In dieser Zusammensetzung und mit diesem Gehalt ist die Sammlung weltweit einmalig.

1.9.2014, TGR

Zu den Perspektiven

Meine Recherchen während der letzten 12 Jahre haben ergeben, daß ein Erbe für den Gesamtbestand der STGR nicht gefunden werden konnte und daß die bestehenden Bibliotheken, Stiftungen und Archive historisch nach Sparten und Themen aufgestellt sind. Wir haben daher eine Synopse zu den verschiedenen Inhalten und deren Perspektiven erstellt und veröffentlichen diese hier, um auch Interessenten an Teilen der STGR Anfragen zu ermöglichen, die eine Teilübernahme von Beständen betreffen (durch Erwerb, als Leihgabe oder Schenkung). Hierzu ist auf Wunsch auch die Zusendung größerer Abbildungen der Synopsen möglich. Anfragen bitte zunächst per Mail an tgr@tgregenbogen.de.

Stand: 13.10.2014, TGR

Seine Heiligkeit der 17. Karmapa zu Besuch in Deutschland

tgregenbogen — 2014-05-30T15:25:00Z

Seine Heiligkeit, der 17. Karmapa, Ogyen Trinley Dorje, im Tibethaus Deutschland, Foto: Thilo Götze Regenbogen

„Ich denke, wir sollten sehr achtgeben und wirtschaftlichen Erfolg nicht mit persönlichem Glück verwechseln. Nur weil wir eine Marktwirtschaft haben, müssen wir nicht in einer Marktgesellschaft leben.“

Zwanzig Jahre mußten vergehen seit Clemens Kubys Film LIVING BUDDHA und eine Fülle von aus politischen Gründen fehlgeschlagenen Versuchen, diesen außergewöhnlichen Menschen in Deutschland zu erleben, bis wir am Mittwoch den 28. Mai Seine Heiligkeit, den 17. Karmapa von Tibet, Ogyen Trinley Dorje (geb. 1985), im Tibethaus Frankfurt am Main begrüßen durften.
Nach einer kurzen Pressekonferenz und einer kleiner Ansprache für seine tibetischen Landsleute im Rhein-Main-Gebiet brachen er und sein Team bereits wieder auf zum Empfang im Kamalashila Institut in Langenfeld/Eifel, dem europäischen Sitz der Karmapas.
Seit gestern gibt Seine Heiligkeit nun Belehrungen über grundlegende Fragen des buddhistischen Pfades, über die verschiedenen vorbereitenden Übungen und schließlich auch für fortgeschrittene Praktizierende. Daran an schließen sich Einweihungszeremonien für verschiedene fortgeschrittene Praktiken des tibetischen Buddhismus. Ab dem 1. Juni wird Seine Heiligkeit dann im Kamalashila Institut lehren, einen dortigen Stupa einweihen, um schließlich seine Reise nach Berlin fortzusetzen, wo er im Bodhicharya Zentrum lehren wird.

Seitdem Seine Heiligkeit im Jahre 2000 aus Tibet geflohen ist, lebt er im indischen Exil in der Nähe seines Mentors, S. H. des 14. Dalai Lama von Tibet und setzt seine Ausbildung als ein hochrangiger Meister der 900 Jahre alten Überlieferungslinie der tibetischen Kagyü-Schule in klösterlicher Atmosphäre fort. Bereits jetzt ist er ein Menschheitslehrer mit großer Reichweite, der Tausende von Schülern unterrichtet und künstlerisch, sozial und ökologisch innovativ wirksam ist. Er hat bereits 2008 und 2011 die USA besucht und ist nun zum ersten Male auch in Europa, wo sein Vorgänger, der 16. Karmapa, bereits zahlreiche Schüler hinterlassen hat, mit denen es nun zu einer mehrtägigen Wiederbegegnung kommt.

Es ist uns kein asiatischer buddhistischer Lehrer bekannt, der, bevor er Deutschland betreten durfte, im englischsprachigen, besonders aber im deutschsprachigen Raum Europas, so viele Buchpublikationen und Filme vorzuweisen hat wie dieser, noch 29-jährige, Seine Heiligkeit, der 17. Karmapa von Tibet. Als forschendes Archiv zur buddhistischen Akkulturation im Westen und aus dem Bestand der Neun Yanas Bibliothek in Raum 1 Hofheim, möchten wir daher unserer aktuellen Berichterstattung eine Aufstellung dieser deutschsprachigen Publikationen von oder über S.H. anfügen, ergänzt um einige Raritäten aus der englischsprachigen Welt:

S.H. der 17. Karmapa 2014: Das edle Herz: Die Welt von innen verändern, Berlin: Edition Steinrich.

S.H. der 17. Karmapa 2012: Stephan Kulle, Karmapa: Der neue Stern von Tibet, Frankfurt am Main: Scherz bei S. Fischer Verlag.

S.H. der 17. Karmapa 2010: Die Zukunft ist jetzt: 108 Ratschläge, um eine bessere Welt zu schaffen, aus dem Englischen übersetzt von Sylvester Lohninger, Edition Mandarava, Gutenstein (Österreich): Sequoyah Verlag.

S.H. der 17. Karmapa 2006b: Der Dreh zu Living Buddha von Clemens Kuby und Bonusmaterial Karmapa im Exil, 77 Min. DVD, München: Kuby Film TV.

S.H. der 17. Karmapa 2006a: Clemens Kuby’s Living Buddha: Die wahre Geschichte, 108 Min. DVD, München: Kuby Film TV.

S.H. der 17. Karmapa 2004c: Augenblicke der Erleuchtung: Die Lehren und Gedichte des 17. Karmapa Ogyen Trinley Dorje, aus dem Tibetischen übersetzt, hrsg. u. komm. von Michele Martin, und Eine kurze Geschichte der sechzehn Karmapas von Dzogchen Ponlop Rinpoche, ins Deutsche übertragen von Svenja Willkomm und Jürgen Manshardt (Gedichte), Berlin: Theseus Verlag.

S.H. der 17. Karmapa 2004b: His Holiness the Seventeenth Gyalwa Karmapa Ogyen Trinley Dorje, Deer Park Calligraphies, Woodstock (New York, USA): Karma Triyana Dharmachakra.

S.H. der 17. Karmapa 2004a: Michele Martin, Lebender Buddha: Der siebzehnte Gyalwa Karmapa Ogyen Trinley Dorje, aus dem Amerikanischen von Karin Petersen, Berlin: Theseus Verlag.

S.H. der 17. Karmapa 2003: Music in the Sky: The Life, Art, and Teachings of the 17th Gyalwa Karmapa Ogyen Trinley Dorje, by Michele Martin. Ithaca (New York, USA): Snow Lion Publications.

S.H. der 17. Karmapa 2001: Gilles van Grasdorff, Die abenteuerliche Flucht des kleinen Buddha: Der Weg des Karmapa in die Freiheit, aus dem Französischen von Stefanie Windfelder, Freiburg u.a.: Herder Verlag.

S.H. der 17. Karmapa 2000: Jean-Paul Ribes und Anne Ribes, Die Flucht des lebenden Buddha: der 17. Karmapa und die Zukunft Tibets, aus dem Französischen von Claudia Steinitz, München: Ullstein Verlag.

S.H. der 17. Karmapa 1996: Klemens Kuby’s Living Buddha: Die wahre Geschichte, 131 Min. VHS, München: Kuby Film TV. Rezension Thilo Götze Regenbogen in: ders., Dialektik des Mitgefühls: Buddhismus und Film, Marburg: diagonal-Verlag 2002, S. 72-76.

S.H. der 17. Karmapa 1994: Clemens Kuby/Ulli Olvedi, Living Buddha: Die siebzehnte Wiedergeburt des Karmapa in Tibet, München: Wilhelm Goldmann Verlag.

Letzte Aktualisierung: 10.6.14.

HIER DER LINK ZU DEN LIVE WEBCASTS:

http://kagyuoffice.org/webcast/

Die Tibet-Woche im Museum Angewandte Kunst Frankfurt am Main

tgregenbogen — 2014-06-05T14:20:00Z

Peter Mauch im Gespräch mit Gästen zu seiner Sammlung, Foto: Thilo Götze Regenbogen.

Das Frankfurter Museum Angewandte Kunst hat in Zusammenarbeit mit dem ebenfalls in Frankfurt am Main ansässigen Tibethaus Deutschland e.V. den Besuch Seiner Heiligkeit, des 14. Dalai Lama von Tibet in Frankfurt zum Anlaß genommen, vom 13.-18. Mai 2014 eine Ausstellung tibetischer Teppiche zu zeigen und während der Dauer dieser Präsentation ein eintägiges Symposion abzuhalten zu Fragen der tibetischen Kunst und Kultur im Kontext der Gegenwart.

Die Ausstellung zeigte unter dem Titel „Tibet, ausgelegt“ die einzigartige Sammlung tibetischer Teppiche der Sammlung Peter Mauch, welche vom Sammler auch ausführlich eingeleitet und erläutert wurde (1). Die vielfältige Symbolsprache dieser Teppiche, Satteldecken und Kissenbezüge wurde in einer Handreichung entschlüsselt. Im Zentrum der Auslage stand dabei ein großer Teppich, der sehr außergewöhnlich, in zweifacher Form das Symbol unaufhörlichen Werdens (rgyon-k’yil oder gakhil) zeigt (2), welches sich auch als Schmuckelement auf den großen tibetischen Stieltrommeln findet oder heutzutage noch in den Nationalflaggen und Emblemen von Sikkim und Bhutan. Im Glossar zur Ausstellung heißt es zudem, dieses "Rad der Freude" stehe "für die ursprüngliche Energie" und für die Untrennbarkeit von Grund, Pfad und Frucht in den höchsten Lehren der tibetischen Weisheitsüberlieferung, dem Dzogchen.

Foto: Thilo Götze Regenbogen

Eine Vortragsreihe am 17. Mai machte zudem die Hintergründe tibetisch-buddhistischen Kultur- und Kunstverständnisses deutlich. Nach einer Einführung vom Gastgeber, dem erfahrenen Asien-Kustos des Museums Dr. Stephan von der Schulenburg, sprach Elke Hessel vom Vorstand des Tibethauses einige Worte zur Begrüßung. Danach erläuterte Bernadette Bröskamp sehr ausführlich die tibetische Kunst im Wandel der Zeit: Ikonographie, Funktion, Stile und Verbreitung. Sie gehörte 2006 zum Vorbereitungsteam der großen Tibet-Ausstellung in der Essener Villa Hügel. Dr. Norbert Deuchert stellte anschließend detailliert den Prozeß einer rituell korrekt entnommenen Füllung und wissenschaftlichen Ergründung bei einer tibetischen Skulptur der Târâ vor, von dem in den 90er Jahren schon einmal durch die Zeitschrift „Mandala“ zu erfahren war. In dieser Zeit war der erfahrene Historiker auch Leiter des Museum Villa Rot bei Ulm, wo er herausragende und originelle Ausstellungen kuratiert hat. Die Bonner Kunsthistorikern Regina Höfer veranstaltete sodann einen Parforceritt durch Phänomene der tibetischen Kunst und chinesisch überfremdeten Gegenwartskultur, der nicht wirklich überzeugen konnte. Erholung gab es dann noch einmal mit Peter Mauch, der seine Sammlung erläuterte und sehr anschaulich und lebensnah auf Fragen der zahlreichen Besucherinnen und Besucher einging.

Im Internet: museumangewandtekunst.de, tibethaus.com.

(1)Tibeter-Teppiche, hrsg. von Hans Hongsermeier mit Beiträgen von Heinrich Harrer, Peter Mauch und Jim Ford, Innsbruck: Pinguin-Verlag/Frankfurt am Main: Umschau-Verlag 1987.
(2)Tibeter-Tepiche, S. 21.

MoMA PS1 New York zeigt James Lee Byars: 1/2 An Autobiography

tgregenbogen — 2014-06-03T07:46:00Z

James Lee Byars c. 1970, JLB nude holding snake skin, Courtesy University of California, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, bequest of James Elliott.

James Lee Byars im Museum of Modern Art New York PS1 (Text engl.)

James Lee Byars: 1/2 An Autobiography
June 15–September 7, 2014
2nd Floor Galleries, MoMA PS1

(Long Island City, NY – April 23, 2014) MoMA PS1 presents the most comprehensive museum survey of James Lee Byars (Detroit, 1932 – Cairo, 1997) organized in North America since his death. The exhibition, which includes documentation and works across a range of mediums and occupies the entire second floor of MoMA PS1, confronts the absence of Byars himself, and more generally highlights the inherently incomplete
summary that a retrospective offers of an artist’s life.

The exhibition James Lee Byars: 1/2 An Autobiography will be on view from June 15–September 7, 2014.
When Byars was 37 years old—then half an average lifespan—he wrote his “1/2 autobiography.” Sitting in a gallery, he jotted down thoughts and questions every time a visitor approached him, and published them afterwards in a book he also titled "The Big Sample of Byars".
Obsessed by the idea of perfection, Byars produced a remarkable body
of work that strove to give form to his search for beauty and truth. Pursuing what he
called “the first totally interrogative philosophy,” he made and proposed art at scales
ranging from the vastness of outer space to the microscopic level of subatomic particles,
in an attempt to delineate the limits of our knowledge while enacting a desire for
something more.

After studying art and philosophy, Byars moved to Kyoto in 1958, where he spent much of
the next decade. Influenced by aspects of Japanese Noh theater and Shinto rituals, Byars
created and performed folded paper works at sites including Japanese temples and New
York galleries, and made fabric pieces that served as costumes to join together two or
more people in public performances. Throughout his career, he also produced a large
quantity of printed books, ephemera and correspondence that he distributed among
friends and acquaintances. Dispersed across a wide geography, they attest to Byars’s
desire to be present—however fleetingly—in different places and times.

Byars lived and worked itinerantly, moving between New York, Venice, San Francisco,
Kyoto, Bern, the Swiss Alps, Los Angeles and the American southwest, eventually choosing
to die in Cairo. Posing his art confoundingly between apparent contradictions—the
monumental and the miniscule, the universal and the personal, the luxurious and the
minimal, the relic and the event, the spectacular and the invisible—Byars heightens the
viewing experience. In the aesthetic interrogations he provokes, he suggests that
perfection may occur not simply at the most evanescent edges of form, but also in the
attenuated moments of attention spent trying to discern it.

The Museum of Modern Art played an important role in Byars’s early career. In 1958, after
having been inspired by a Mark Rothko painting he encountered in his native Detroit,
Byars came to New York and arrived unannounced at MoMA’s reception desk intent on
getting an introduction to Rothko. Instead, he met Dorothy C. Miller, the museum’s first
Curator of Painting and Sculpture, who took an interest in the paper works Byars had been
producing in Japan. Byars convinced her to allow him to mount a brief exhibition in one of
the museum’s stairwells. This event would be remembered as the artist’s first museum
exhibition, and the relationship between Byars and Miller flourished into an extensive
correspondence and gifts to the museum of a number of key performable paper works,
which are included in the exhibition. In 2011, MoMA added important fabric pieces,
ephemera and correspondence with the acquisition of the Daled Collection of American and
European Conceptual Art. In addition to the museum’s holdings, James Lee Byars: 1/2 An
Autobiography features work from private and public collections, and from the artist’s
estate and archives.

The exhibition is co-organized by MoMA PS1 and Fundación Jumex Arte Contemporáneo,
and curated by Peter Eleey, Curator and Associate Director of Exhibitions and Programs,
MoMA PS1; and Magalí Arriola, Curator, Fundación Jumex Arte Contemporáneo; with
Jocelyn Miller, Curatorial Assistant, MoMA PS1; and Javier Rivero, Curatorial Assistant,
Fundación Jumex Arte Contemporáneo.
Support for the publication is provided by The International Council of The Museum of
Modern Art.

JAMES LEE BYARS: PERFORMANCES
Fall, 2014
The Donald B. and Catherine C. Marron Atrium, second floor and other spaces in the
museum
In conjunction with James Lee Byars: 1/2 An Autobiography, the Department of Media and
Performance Art and MoMA PS1 will present a program of performances in the Atrium and
throughout the Museum. Focusing on his performative works from the late 1960s and
1970s, which bring together the genres of drawing and sculpture with notions of the
ephemeral and disappearance, the series honors the close relationship that Byars
entertained with The Museum of Modern Art.
Organized by Ana Janevski, Associate Curator, Media and Performance Art Department,
The Museum of Modern Art, and Peter Eleey, Curator and Associate Director of Exhibitions
and Programs, with Jocelyn Miller, Curatorial Assistant, MoMA PS1.

PUBLICATIONS
The exhibition is accompanied by two publications that introduce new archival material
and scholarship. The first volume—already available—is a sourcebook of photographs and
documents that features extensive interviews from the late 1970s with the artist that have
not been previously published. The second volume serves as the exhibition’s catalog, and
features several critical texts, including curatorial texts by co-curators Peter Eleey and
Magali Arriola; Ana Janevski, Associate Curator in the Department of Media and
Performance at The Museum of Modern Art on Byars’s early performances; art historian
Pan Wendt on the artist’s “costume” and performable fabric works; and Japanese art
historian curator Shinobu Sakagami on Byars' time in Japan. Both books are fully bilingual
English-Spanish, published jointly by MoMA PS1 and Fundación Jumex Arte
Contemporáneo, and distributed by Koenig Books.

ABOUT THE ARTIST
James Lee Byars was born in Detroit, Michigan in 1932 and studied art and psychology at
Wayne State University. Following 1958, the same year as his near-legendary ad hoc
presentation at MoMA, Byars spent the subsequent decade Byars living and working in
Japan where he presented many performances and exhibitions, including “The Performable
Square” in the National Museum of Modern Art, Kyoto, in 1962. In 1964 he was invited to
present three performances at the Carnegie Museum of Art. Byars returned to America in
1967, dividing his time between New York and Los Angeles; by the 1970s he began to
spend increasing amounts of time in Europe. Since that time Byars has been the subject of
numerous gallery and museum exhibitions worldwide, including Stedelijk van
Abbemuseum, Eindhoven; Kunsthalle Düsseldorf; IVAM Centre del Carme, Valencia;
Castello di Rivoli/Museo d’Arte Contemporanea, Turin; The Henry Moore Institute, Leeds;
and Fundaçao de Serralves, Porto. Important posthumous exhibitions include The Epitaph
of Con. Art is which Questions have disappeared?, Kestner Gesellschaft, Hannover (1999);
The Arts Club of Chicago (2000); Life Love and Death, Schirn Kunsthalle, Frankfurt and
Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg (2004); The Perfect Silence, Whitney
Museum of American Art (2005); I’m Full of Byars, Kunstmuseum Bern (2008).

Zen-Meister Sengai (1750–1837) im Rietberg Museum Zürich

tgregenbogen — 2014-05-31T14:12:00Z

Zen-Meister Sengai Gibon (1750–1837), Meditierender Frosch (zazengaeru), Tusche auf Papier 40,3 x 53,8 cm, Copyright Idemitsu Museum of Arts Tokyo, zu sehen in Serie 1 der Ausstellung 18.5.-29.6.14.

Museum Rietberg Zürich 18. Mai – 10. August 2014.

Erstmals nach über 50 Jahren sind 40 der berühmtesten Werke des Zen-Meisters Sengai Gibon exklusiv in Zürich zu sehen. Anlass ist das 150-Jahr-Jubiläum der diplomatischen Beziehung zwischen der Schweiz und Japan. Die lichtempfindlichen Bilder werden in zwei Serien je sechs Wochen gezeigt und stammen aus dem Idemitsu Museum of Arts in Tokio, das die die bedeutendste Sammlung von Tuschebildern und Schriftkunstwerken von Gibon Sengai besitzt. Einmalig ist die Gelegenheit, das facettenreiche Vermächtnis des Zen-Meisters und höchst eigenwilligen Künstlers neu zu entdecken, der in seiner Art und expressiven Ausdrucksweise schon zur künstlerischen Moderne gezählt werden kann.(1)

Gibon Sengai war Abt des ältesten, bereits 1195 erbauten, Zen-Klosters in Japan. Im Alter von 62 Jahren zog er sich zurück, um sich ganz der Malerei und Schriftkunst zu widmen, die ihm zur Unterweisung seiner Schüler dienten. Er lehrte also auch mittels Kunst, ein Vorgehen, welches nur wenige buddhistische Meister praktiziert haben. Seine Kunst sollte Kerngedanken des Zen-Buddhismus aber auch der einfachen Bevölkerung näherbringen. Ein Grossteil seiner Bilder gehört denn auch zu den zenkizu, den «Zen-Hilfsmittelbildern» hinter denen eine didaktische Absicht steht.

Im Vergleich zur mittelalterlichen Zen-Malerei, die bezüglich der Beherrschung der Pinseltechnik den semiprofessionellen Status vieler Malermönche des 13. bis 15. Jahrhunderts zu erkennen gibt, strahlen manche Bilder Sengais eine geradezu kindliche Unbekümmertheit aus. Der Gedanke hinter dem Bild und die eigenhändige Bildaufschrift waren offensichtlich von grösserer Bedeutung als eine ausgereifte Darstellung. Stammten die oft mit nur indirektem Bezug zum Bildthema verfassten Aufschriften in der mittelalterlichen Zen-Malerei meist von anderer Hand als die Bilder selbst, ist bei Sengai eine absolute Durchdringung von Wort und Bild erreicht. Auch wenn in der asiatischen Kunstauffassung Chinas und Japans Schrift und Bild mit dem gleichen Werkzeug (Tuschepinsel) geschrieben werden und als absolut gleichrangig gelten, ist die von Sengai erreichte integrale Darbietung doch sehr außergewöhnlich.

Seit den 1950er-Jahren verwendet man allgemein den Begriff zenga, «Zen-Malerei», für eine von Zen-Mönchen geschaffene Kunst, die Text und Bild zu einer Einheit verbindet und ihre Blütezeit vom 17. bis Anfang des 19. Jahrhunderts erlebte. Einen wichtigen Einfluss auf diese Entwicklung hatten die gleichzeitig populären haiga, «Gedicht-Bilder», eine Kombination aus haiku (Kurzgedicht) und ga (Malerei). In beiden Fällen waren es nicht professionelle Maler, sondern entweder Zen-Gelehrte oder Dichter, die ihre in Worte gefassten Gedanken mittels Tuschebildern weitere Bedeutungsschichten hinzufügten. Charakteristisch für zenga und haiga gleichermassen ist eine unprätentiöse, abkürzende Malweise.

Das Haiku des Poeten Matsuo Bashô (1644–1694) über den Frosch, der ins Wasser springt und den Ton, der dabei entsteht, gehört zu den berühmtesten japanischen Kurzgedichten: Eine friedliche Landschaft wird von einem quicklebendigen Frosch in Schwingung versetzt. An das Ohr des Betrachters der imaginären Szene dringt ein platschendes Geräusch. Dann ist wieder Stille. Indem Sengai das literarische Glanzstück nur wenig verändert – er ersetzt lediglich das Wort «Frosch» durch den Namen des Dichters «Bashô» –, erweist er nicht nur dem Schöpfer des Haiku die Ehre, sondern er deutet möglicherweise auch die transzendente Dimension eines geistigen Durchbruchs an.
In "Meditierender Frosch", einem seiner unübertroffenen Meisterwerke, stellt er so die Frage, ob es der Mensch oder der Frosch ist, der verschiedene Sphären durchdringt und zur Einsicht gelangt, unmissverständlich und auf tiefsinnig humorvolle Art. Ein breit dahockender Frosch mit menschenähnlichem Grinsen schaut auf einen Schriftzug, der, um ihn herumgeführt, nicht nur ein wichtiges kompositorisches Element darstellt, sondern auch die vergnügte Ausstrahlung des Froschs erklärt. Sein Sitzen in Meditation ist ohne Anstrengung, er ist eins mit sich und seinem Dasein. Ein Mensch, der dies erreicht, scheint Sengai zu sagen, ist so zufrieden wie dieser Frosch. Die Einsicht in das eigene Wesen führt zur Erleuchtung, nicht die Einhaltung allzu starrer Regeln. Sengai hält uns Menschen verschmitzt den Spiegel hin und zwingt mit liebenswürdigem Nachdruck zur ehrlichen Selbstreflexion.

Indem Sengai frei von jeglicher priesterlichen Überheblichkeit seine eigenen menschlichen Schwächen ohne Scham benennt, wenn er etwa vom Furunkel an seinem Gesäss spricht, das ihn bei der Meditation zum Gedenktag des Inders Bodhidharma, des Gründers des Zen-Buddhimus in China, behindert, baut er mit feinem Humor eine Brücke zum Laien, der sich mit dem Sitzen in Meditation schwer tut.

Zweifelslos als Ikone der japanischen Kunst gilt sein bekanntestes expressives Meisterwerk "Kreis, Dreieck und Quadrat". Unübertroffen in seiner Schlichtheit hat es bis heute Kunsthistoriker zu verschiedenen Interpretationen animiert, unter anderem auch Daisetz T. Suzuki (1870–1966) einen grossen Buddhismus-Gelehrten und Kenner von Sengais Werk, der wesentlich dafür verantwortlich zeichnet, dass bis in die 1980er Jahre im Westen ein regelrechtes Zen-Fieber herrschte. Suzuki interpretierte das von ihm als "Universum" betitelte Bild als Ausdruck von Sengais philosophischer Auffassung der Welt und deutete es als Wasser (Kreis), Feuer (Dreieck) und Erde (Quadrat), wie sie auch in der buddhistischen Architektur des Stûpa die Elemente verkörpern. Die sinnbildliche Darstellung seiner intuitiv erfassten Weltsicht ist zweifellos das Ergebnis einer Eingebung, denn der Pinsel wurde – ohne einmal abzusetzen und neu in die Tusche zu tauchen – in nur einem Atemzug geführt.

Die zeitlos und äusserst modern anmutenden Bilder vermögen die Betrachter je nach Wissensstand, Herkunft und Lebensumständen auf unterschiedliche Art zu erreichen. Deren prägnante Schlichtheit und der feine Humor Sengais, sprechen mit liebevoller Ironie den Kern der menschlichen Existenz an: es strahlt daraus eine tief menschliche Weisheit, die kaum jemanden unberührt lässt. Die zentrale Rolle Sengais verdeutlicht zudem die Antwort eines Abts auf die Frage, wie man Zen studieren könne: «Schauen Sie sich Sengai an. Überall ist Zen.»

1. Bildserie: 18. Mai – 29. Juni 2014,
2. Bildserie: 1. Juli – 10. August 2014

Im Internet: www.rietberg.ch/sengai

(1) Österreichisches Museum für Angewandte Kunst Wien, Sengai 1750-1837, 15.6.-12.7.1964, Katalogtext: Daisetz T. Suzuki, Vorwort: Sir Herbert Read, Tokyo 1961. Diese überhaupt einzige europäische Wanderausstellung wurde zwischen 1961-1964 in Italien, Frankreich, der Schweiz, Deutschland, den Niederlanden, England, Schweden, Dänemark, Österreich und Spanien gezeigt und präsentierte 70 Zenga und 10 Terrakotten. Vgl. auch Shokin Furuta, Sengai: Master Zen Painter, Tokyo u.a.: Kodansha Int. 2000.

Laut Suzuki heißt die Aufschrift:

"Wenn ein Mensch ein Buddha wird, einzig indem er zazen ausübt,
(dann sollte ich, unbedeutender Frosch, der ich bin, schon lange einer sein)."
Zazen ist das förmliche Sitzen in Meditation nach der Tradition des Zen-Buddhismus.

Der Jawlensky-Arp-Raum im Museum Bahnhof Rolandseck

tgregenbogen — 2014-05-25T15:48:00Z

Jawlensky-Arp-Raum im Museum Bahnhof Rolandseck 2014 (Ausschnitt mit Colyn de Coters „Die heilige Veronika mit dem Schweißtuch“ [Öl/Lwd., um 1510] aus der Sammlung Rau für UNICEF), Foto: TGR.

Zum 150. Geburtstag von Alexej von Jawlensky (1864-1941) gibt es vielerorts Ausstellungen zu sehen in diesem Jahr, auch in „Raum 1“, Hofheim am Taunus. Hier soll auf einen ganz bemerkenswerten Raum hingewiesen werden, welcher im Arp-Museum Bahnhof Rolandseck im Rahmen der spannenden Ausstellung „Sammlung Arp 2014. Rendenz-vous des amis: Arp, Taeuber-Arp und Jawlensky“ (9.2.-1.6.2014) eingerichtet worden ist und in der dem Thema Figur besondere Aufmerksamkeit gewidmet wurde. In diesem besonderen Raum ist eine goldfarben gestrichene Wand zu sehen, die zwei Zitate von Hans Arp (1886-1966) trägt. Das eine lautet: „Uns schwebten Meditationstafeln, Mandalas, Wegweiser vor. Unsere Wegweiser sollten in die Weite in die Tiefe in die Unendlichkeit weisen.“ Man muß schon in entlegener Fachliteratur bewandert sein, um zu wissen, daß Hans Arp und Sopie Taeuber-Arp sich mit buddhistischen Mandalas und Philosophie befaßt haben. Das schöne Zitat ist ein deutlicher Hinweis darauf, dem aber leider nicht ein einziges der vermutlich noch nie gezeigten Werkbeispiele aus dem Nachlaß beigegeben ist. Dafür aber gibt es an den drei der goldenen Wand gegenüberliegenden Wandflächen eine vorzügliche Auswahl von Jawlenskys Werken (Heilandsgesichter, Abstrakte Köpfe, Grafiken) zu sehen, die den meditativen Charakter des gesamten Ensembles unterstreichen und beleben – eine Leihgabe des Museums Wiesbaden, welches weltweit über das zweitgrößte Konvolut von Werken des Ausnahmekünstlers verfügt.
In der begleitenden schönen Ausstellung zum Thema Turm im Obergeschoß des sehenswerten Museums von Richard Meier sind so herausragende Werke wie Giorgio de Chiricos „Die Archäologen“ (1969) und „Der große Metaphysiker“ (1970) aus der Fondazione Giorgio e Isa de Chirico (Rom) und James Lee Byars‘ „The Golden Tower“ (1982-1992) und „The Figure of Death“ (1986) in Begegnung mit spannenden Werken der Gegenwartskunst zu erleben.
Überhaupt ist dieser Ort am Mittelrhein ein Juwel in der deutschen Museumslandschaft, das immer einen Besuch lohnt! Im Internet: arpmuseum.org.

Zum Tode von Wieland Schmied (1929-2014)

tgregenbogen — 2014-05-25T15:39:00Z

Prof. Dr. Wieland Schmied (1929-2014), Foto: AP.

Am 22. April ist einer der herausragenden Gelehrten des 20. Jahrhunderts gestorben: der Lyriker und Kunsthistoriker, Lektor und Ausstellungskurator, Schriftsteller und langjährige Präsident der Bayerischen Akademie der Künste, Prof. Dr. Wieland Schmied (85).
Unter seinen epochalen Beiträgen aus dem Forschungszusammenhang von „Raum 1“ sind zuerst zu nennen: „Zeichen des Glaubens, Geist der Avantgarde, Religiöse Tendenzen in der Kunst des 20.Jahrhunderts“, herausgegeben Stuttgart 1980. Diese wichtige erste der beiden großen Überblicksausstellungen von Wieland Schmied zum Katholikentag (Schloß Charlottenburg Berlin, Sommer 1980), welche die Frage nach dem Transzendenten in der modernen Kunst über den kirchenchristlichen Horizont hinaus erweitert hat auch auf den Einfluß Asiens und des Buddhismus, darf nicht vergessen werden.
Die zweite der großen Überblicksausstellungen von Wieland Schmied zum Katholikentag (Martin-Gropius-Bau Berlin 7.4.-24.6.1990), welche die Thematik an Künstlern und Kunstwerken seit 1945 verdeutlichte und inhaltlich den Horizont weiter gespannt hatte zur Frage nach dem Verhältnis von Spiritualität und Gegenwartskunst, gehört ebenfalls in diese Reihe: „GegenwartEwigkeit, Spuren des Transzendenten in der Kunst unserer Zeit“, erschienen Stuttgart 1990.

Der international renommierte Kunsthistoriker legte zudem 2002 sein Grundlagenwerk zu Caspar David Friedrich (1975, 1992) erneut vor, welches in prägnanter Einführung und detaillierten Werkanalysen Modernität, Radikalität und Tiefenbedeutung dieses herausragenden Künstlers verständlich macht und dabei auch die zeitgenössische Rezeption zeigt und bewertet: „Wieland Schmied, Caspar David Friedrich“, Köln: DuMont Verlag 1992/2002. Auch seine mehrbändigen Studien zu Ezra Pound, die zahlreichen, während seiner Führung der Kestner-Gesellschaft Hannover (1963-1973) veranstalteten innovativen Ausstellungen und Kataloge zu Giorgio de Chirico, Alfred Kubin, Richard Oelze und anderen wichtigen Künstlern der ars phantastica sind unvergessen. Sein 1973 erschienenes Buch „Zweihundert Jahre phantastische Malerei“ gilt vielen als Referenzwerk zu dieser epochenübergreifenden Thematik.
Die Fähigkeit von Wieland Schmied, freundlich und bescheiden zurück zu treten und sich ganz auf sein Gegenüber, die Künstler und anderen Gesprächspartner, in seinem von beständiger Arbeit erfüllten Leben einzulassen, zeitigte im Rückblick eine Fülle heute noch und für die Zukunft wichtiger Ausstellungen und Publikationen, wie etwa die zu Mark Tobey. Hervorzuheben ist hier auch die lebenslange Freundschaft mit Friedensreich Hundertwasser, für dessen vielschichtiges Leben und Werk Schmied der wohl wichtigste Zeitzeuge und der verständigste Mentor gewesen ist.

Der 1929 in Frankfurt am Main geborene älteste Sohn des österreichischen Philosophen Walther Schmied-Kowarzik und der baltendeutschen Dichterin Gertrud von den Brincken zog 1939 mit seinen Eltern nach Wien, wo er nach Matura, Jura- und Kunstgeschichtsstudium in der Zeitschriften-Redaktion von „Die Furche“ arbeitete. 1960 wurde er Lektor des Insel-Verlags in Frankfurt und leitete danach die Kestner-Gesellschaft. In dieser Zeit wurde Schmied zum wichtigsten Anwalt des „Phantastischen Realismus“ im 20. Jahrhundert. Nach einer Tätigkeit als Hauptkustos der Berliner Nationalgalerie 1973-1975 leitete Wieland Schmied dort 1978-1986 das Künstlerprogramm des DAAD. Danach wechselte er als Präsident der Bayerischen Akademie der Schönen Künste (1995-2004) nach München. Zudem war er 1980-1999 als Präsident der Internationalen Sommerakademie Salzburg engagiert. Zwischen 1986 und 1994 lehrte er als Professor für Kunstgeschichte an der Akademie der Bildenden Künste in München, 1988-1993 auch als ihr Rektor.

Wieland Schmied war seit 1966 mit der Grafikerin und Fotografin Erika Schmied verheiratet, mit der er zwei Töchter hat und u.a. 2004 den Band „Hundertwassers Paradiese“ herausgab. Er starb an seinem Alterswohnsitz im oberösterreichischen Vorchdorf/Lederau. Der überraschende Tod dieses seltenen Metaphysikers unter den Kunstverständigen ist ein großer Verlust für die spirituell inspirierte Weisheitsüberlieferung in der Gegenwartskunst. In den Bibliotheken und Archiven von „Raum 1“ und in der „Sammlung Thilo Götze Regenbogen“ werden seine Arbeiten, Kataloge, Interviews, Schriften und Korrespondenz kontextbezogen als kulturfeldüberschreitende Zeugnisse bewahrt.

Zum Tode von Hans-Peter Dürr (1929-2014)

tgregenbogen — 2014-05-20T13:36:00Z

Foto: Peter Fuhrmann 2007.

Neues Denken für eine Welt im Umbruch: Zum Tode von Hans-Peter Dürr (1929-2014)

„Ein Baum, der fällt, macht mehr Lärm, als ein Wald, der wächst. Lasst uns deshalb dem wachsenden Wald lauschen!“
(eine von Hans-Peter Dürr oft zitierte tibetische Weisheit)

Eine der großen Gestalten der Gegenwart ist aus dem Leben gegangen. Hans-Peter Dürr, Quantenphysiker und Philosoph, Brückenbauer zwischen Naturwissenschaften und Spiritualität, Zukunftsdenker und zivilgesellschaftlicher Aktivist, Träger des alternativen Nobelpreises und mit der Wissenschaftler-Vereinigung PUGWASH auch Friedensnobelpreisträger, ist im Alter von 84 Jahren nach langer Krankheit in München gestorben.
Das letzte Vierteljahrhundert seines Lebens war es ihm ein zentrales Anliegen, mit der von ihm gegründeten Initiative „Global Challenges Network“ (GCN) die weltweiten Antworten auf die bedrohlichen Herausforderungen der Gegenwart in einem globalen Netzwerk zu verbinden.

Vordenker der Friedensbewegung
Sein Einfluss auf Kultur und Politik in München, Deutschland und der ganzen Welt war immens. Als Vordenker der Friedensbewegung konnte der Atomphysiker mit wissenschaftlichen Argumenten der Aufrüstung entgegentreten und die Gefahren der Nukleartechnik aufzeigen. Als Netzwerker verband er weltweit Wissenschaftler gegen die US-amerikanische Rüstungsinitiative ‚Star Wars‘ und ihren im Weltraum geplanten Abwehrschild und trug so dazu bei, die Rüstungsspirale zu bremsen. Als wortgewandter Kritiker von gefährlichen technologischen Megaprojekten prägte er das Verständnis von Nachhaltigkeit und Zukunftsforschung. Als Aktivist und Mitgestalter bei ‚Greenpeace‘, zahlreichen internationalen Vereinigungen wie dem ‚Worldwatch Institute‘ oder dem ‚World Future Council‘ gestaltete er den globalen zivilgesellschaftlichen Kampf für eine ‚bessere Welt‘. Als Brückenbauer zwischen Naturwissenschaft und ganzheitlichen Weltbildern arbeitete er mit an der Entstehung eines neuen ganzheitlich-systemischen Weltbildes. Als engagierter Wissenschaftler appellierte er immer wieder an seine Kollegen, Verantwortung zu übernehmen und ihr wachsendes Wissen für die Zukunftsfähigkeit einzusetzen, anstatt die Zerstörung der Welt zu beschleunigen.

Passionierter Grenzgänger
Hans-Peter Dürr bot als Denker, Wissenschaftler, Aktivist und selber Suchender vielen Menschen eine Orientierung und wurde mit zunehmendem Alter immer mehr zu einer moralischen Instanz in einer zunehmend krisengeschüttelten Welt.
Auch wenn er die Grenzen der Physik als akademische Disziplin immer wieder überschritt, sprach der Quantenphysiker und Alternative Nobelpreisträger Hans-Peter Dürr immer auch als Naturwissenschaftler.
Sein Antrieb, Physiker zu werden und insbesondere zu den Atomen, den Atomkernen und Elementarteilchen hinabzusteigen, entsprang nach Krieg und Zusammenbruch dem Wunsch, „zu erkennen, was die Welt im Innersten zusammenhält“. Dass Hans-Peter Dürr auf dem Wege hinunter „ins Innerste der Welt“ nicht nur „Philosophen“ wie dem Nobelpreisträger Werner Heisenberg begegnete, sondern mit Edward Teller auch Kernphysikern, die Atombomben bauten, war nicht seine Absicht. Es war aber Grund und Anlass für ihn, ein „passionierter Grenzgänger“ zu werden. Ihm wurde die Ambivalenz der Forschung deutlich: dass tiefe Einsichten auch unmittelbar zu Kenntnissen führen, die unsere Lebenswelt einschneidend verändern, ja sie zerstören können.
Die Erkenntnisse aus der modernen Quantenphysik, die in den ersten Jahrzehnten des vergangenen Jahrhunderts das naturwissenschaftliche Weltbild revolutioniert haben, jedoch bislang spurlos in unserem Alltagsverständnis von Natur geblieben sind, wiesen für ihn den Weg in die Zukunftsfähigkeit. Dieses „Neue Denken“ mit den darin enthaltenen konstruktiven Gestaltungsmöglichkeiten zu vermitteln – das war sein Anliegen.

Welt als Beziehung
Dies „neue Denken“ bedeutet die Überwindung des materialistischen Weltbilds durch die Erkenntnis der Quantenphysik, dass Materie nicht aus Materie aufgebaut ist. Bei der Suche nach dem „Kern“ der Materie entdecken wir eine Welt, die in der Deutung von Hans-Peter Dürr mehr dem Geistigen ähnelt: eine Welt voller Möglichkeiten – ganzheitlich, offen, lebendig. Auch wir Menschen sind, so Dürr, „nicht Teile einer Wirklichkeit, sondern beteiligt an einer Wirklichkeit. Diese Wirklichkeit wird in jedem Augenblick neu geschaffen, und so bereichert jeder kreative Beitrag von uns die Wirklichkeit unserer Zukunft.“ Hans-Peter Dürr wurde in seinen zahllosen Vorträgen und Schriften nicht müde zu erklären, dass in der Natur alles mit allem auf höchst subtile Weise zusammenhängt und es daher gilt, aus dieser universellen Verbundenheit heraus zu denken und zu handeln. „Wir denken immer noch in den Strukturen des 19. Jahrhunderts und kleben an der Illusion, dass es mit List und Tücke gelingen wird, die Welt in den Griff zu bekommen. Wir haben lange genug an den Ästen gesägt, auf denen wir sitzen. Jetzt wird es Zeit, unseren Platz im Ganzen der Natur neu zu definieren und uns endlich als Teil eines Gesamtprozesses zu verstehen und damit die Chance zu ergreifen, dass jeder und jede von uns einen Teil dazu beitragen kann, das Lebendige lebendiger werden zu lassen.“
Hans-Peter Dürr begeisterte und ermutigte. Er machte Mut zu einem anderen Denken, Mut zu einem anderen Leben. Die Zukunft ist offen, lautete sein Credo – alles ist gestaltbar.

Netzwerke der Zukunft
Ihm gelang es in Vorträgen und Gesprächen, mit seiner bilderreichen Sprache diese abstrakten, von der neuen Physik gespeisten Einsichten verständlich darzulegen und deren Konsequenzen für den politischen und persönlichen Alltag aufzuzeigen. Für ihn war die Zeit reif für einen gesellschaftlichen Wandel. Er selbst wollte aktiv diesen Wandel vorantreiben und gründete 1987 sein ‚Global Challenges Network‘ (GCN e.V.), damals ein fast unverständlicher Namen für eine Initiative. Das Internet steckte noch in den Kinderschuhen und die globalen Herausforderungen waren im Kalten Krieg eingefroren.
Doch Hans-Peter Dürr war Weltenbürger und ein genauer Beobachter. „Es ist ein zunehmender Prozess der Vernetzung von Initiativen und der Kooperation zwischen ihnen zu beobachten. Was entsteht, ist ein lebendiges Netzwerk. Wichtig wird sein sein, ob es uns gelingt, eine „kritische Masse“ zu werden, um wirklich einen Prozess in Gang zu setzen und wir nicht einzelne Rufer in der Wüste bleiben. Diese Lernprozesse sind langsam, aber wir dürfen nicht die Geduld verlieren“.
Deswegen gründete er GCN. Die digitale Vernetzung nahm an Fahrt auf. Aus seiner Vision eines globalen Netzwerkes, das sich den vielen aktuellen Herausforderungen stellt, ist heute die Internetplattform WorkNet:future entstanden – eine stetig wachsende und anschauliche Enzyklopädie von zukunftsfähigen Initiativen und deren Projekten.
Hans-Peter Dürr hat in seinen letzten Lebensjahren diese Verwirklichung seiner Vision begeistert begleitet. Weil er immer unerschütterlich daran festgehalten hat, dass es außerhalb der von Menschen behaupteten Macht und konstruierten Ordnung auf unserem Globus noch etwas anderes gibt: eine realisierbare Vision einer solidarischen, achtsamen Gesellschaft. Lokale und weltumspannende Netzwerke bilden deshalb ein spürbares Gegengewicht zu globalen Irrungen und bereiten den nachhaltigen Umbau unserer Zivilisation vor. Seine Organisation GCN wird weiter an der Sichtbarmachung des globalen Engagements arbeiten.

Ein Pionier der Zukunft ist gegangen. Die Spuren, die er gelegt hat, werden bleiben. „Wenn ich sterbe“, so sagte er kurz vor seinem Tod, „habe ich kein Bewusstsein mehr, aber das, was ich gedacht habe, ist im Hintergrund aufgehoben. Es hat sich mit dem Weltgeist vermengt, hat das Gesamte als Information beeinflusst und steckt darin.“

München, den 19. Mai 2014

Frauke Liesenborghs, Geschäftsführung GCN e.V
Dr. Geseko von Lüpke, Vorstand GCN e.V. / Publizist / Journalist
Dr. Manuel Schneider, Geschäftsführung oekom e.V. und Selbach-Umwelt-Stiftung

Drei Ausstellungs-Highlights im Frühjahr 2014

tgregenbogen — 2014-05-18T05:47:00Z

Barbara Klemm, Rheinfall bei Schaffhausen, Copyright Barbara Klemm 2013.

Unter dem bescheidenen Titel „Reisenotizen“ zeigt das Museum Sinclair-Haus in Bad Homburg bis zum 9. Juni eine bemerkenswerte Ausstellung von Barbara Klemm (Jg. 1939) und Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832). Die auf zwei Etagen strikt getrennte Doppelausstellung (Kurator: Johannes Janssen, Direktor des Museums) zeigt im Erdgeschoß die fotografischen Schwarz-Weiß-Ergebnisse (meist 30 x 40 cm groß) der Auseinandersetzung von Barbara Klemm mit den im Obergeschoß gezeigten Skizzen, Zeichnungen und Aquarellen des Dichterfürsten und berühmten Reisenden, welche dann im Begleitheft zur Ausstellung ausschnittweise zusammengeführt werden. Während Goethes Werke von nüchterner Bestandsaufnahme bis romantischer Verklärung des jeweiligen Motivs reichen, gibt die ehemalige Bildjournalistin der Frankfurter Allgemeinen Zeitung hier einen Einblick in ihr umfangreiches Schaffen als Landschaftsfotografin, welches in dieser Ausstellung sich der völlig selbständigen Motivstudie auf Goethes Spuren verdankt. Dabei liegen die Schwerpunkte ähnlich Goethe bei Wolken, Felsen, Bäumen, Mondnächten, Wasserfällen und Architekturdarstellungen. Bei der Tochter des Malers Fritz Klemm wurde der Sinn für Komposition und künstlerischen Ausdruck ebenso früh gefördert wie beim vom Vater angeregten Zeichenunterreicht des jungen Goethe. So wie für diesen und viele andere im 18./19. Jahrhundert Zeichenstift und Tuschkasten noch selbstverständliche Reisebegleiter gewesen sind, repräsentieren die freilich künstlerisch völlig eigenständigen Fotografien von Barbara Klemm auch ein bis zum heutigen Tage gerne genutztes Medium nicht nur für Reisende. Die entdeckungsreiche Ausstellung wird Anfang 2015 von der Kooperationspartnerin, der Klassik Stiftung Weimar, übernommen, was auch daran erinnern sollte, daß zahlreiche der gezeigten Bildmotive beider Künstler in den neuen Bundesländern zu finden sind. Für weitere Informationen siehe auch im Internet: altana-kulturstiftung.de.

Anna Gerresheim, Mond über Buschgehölz, Radierung, 1903, Copyright Privatsammlung.

„Von Liebermann bis Nolde. Impressionismus in Deutschland auf Papier“ heißt die noch bis zum 15. Juni laufende Ausstellung der Internationalen Tage Ingelheim (Kuratoren: Ulrich Luckhardt, Dagmar Lott-Reschke), dem herausragenden Kulturengagement von Boehringer Ingelheim seit 1959. Um es gleich vorweg zu sagen: Werkauswahl, künstlerisch-technische wie stilistische Vielfalt und Raumgestaltung im Alten Rathaus von Ingelheim am Rhein haben weitaus mehr Überraschungen und Seherlebnisse zu bieten, als der etwas angestrengte Titel anzukündigen scheint. Wie eigentlich schon seit langem wird jede der jährlichen Ingelheimer Ausstellungen zu einem besonderen Frühlingserlebnis, welches immer wieder neue Facetten gerade auch zu Themen aufweisen kann, von denen man denken konnte, schon vieles zu kennen. So bietet Ingelheim diesmal zahlreiche Beispiele eines durchaus selbständigen deutschen Impressionismus, einem stilistischen Bindeglied zwischen dem Akademismus des 19. Jahrhunderts und der modernen Malerei des frühen 20. Jahrhunderts, dessen Wurzeln bis zur Epochenschwelle um 1800 zurückverfolgt werden können. Dabei liefern die beiden „Flaggschiffe“ des Ausstellungsprojekts gar nicht mal die herausragenden Exponate, sondern es ist die exzellente Auswahl an weniger bekannten Namen und nahezu unbekannten Werken, durch die diese Präsentation besticht. Neben Lovis Corinth (1858-1925) sind da Ermst Eitner (1867-1955) zu nennen und Arthur Illies (1870-1952), neben Otto Modersohn (1865-1943), dessen Kabinett mir zu „sumpfig“ anmutet, vor allem Anna Gerresheim (1852-1921), Lesser Ury (1861-1931) und Christian Rohlfs (1849-1938). Symbolistische Einflüsse und solche aus dem Jugendstil verbinden sich hier mit atmosphärischen Tageszeiten und teilweise visionären Naturstimmungen. Das Skulpturen-Foyer im Obergeschoß des Alten Rathauses zeigt tiefgründige Plastik von Clara Westhoff-Rilke, darunter Porträtbüsten von Rilke, Vogeler und Dehmel. Eine weitere Überraschung der Ausstellung sind die zahlreichen Beispiele früher Fotodrucktechniken in ausgezeichneter Erhaltung. Homepage: internationale-tage.de.

Fritz Bauer, Foto: AP.

Das Jüdische Museum Frankfurt zeigt bis zum 7. September 2014 seine lange erwartete Ausstellung über den Frankfurter Generalstaatsanwalt Dr.Fritz Bauer (1903-1968; Kuratorin: Monika Boll), dem Sozialisten und SPD-Mitglied aus jüdischer Familie, der schon nach der Machtübernahme durch die Nationalsozialisten Anfang 1933 ein Jahr lang im Konzentrationslager Heuberg gefangen gehalten wurde und danach für 13 Jahre ins Exil nach Dänemark ging. Dort wurde er als politischer Flüchtling anerkannt, aber als Homosexueller observiert. Er hat sich auch nach seiner Rückkehr in „sachlicher Leidenschaft“ (2, 43) für ein besseres und humanes Strafrecht eingesetzt, war seit dem 11. 2. 1963 Mitglied der Schopenhauer-Gesellschaft und seit dem 19. 11. 1961 der Humanistischen Union geworden, deren Veranstaltungen er besuchte, wie die Ausstellung dokumentiert. Am 14.12. 1966 hielt er im Vortragssaal der Universitätsbibliothek den Vortrag „Schopenhauer und die Strafrechtsproblematik“. Er paßte damit nicht ins damalige Bild, in dem ein Staatsanwalt vor allem die Staatsräson zu vertreten hatte, nach der des Bürgers erste Pflicht der Gehorsam gegenüber der Obrigkeit zu sein hatte. Im sozialdemokratisch regierten Hessen eines Georg-August Zinn stand Bauer jedoch nicht auf verlorenem Posten. Im Jahre 1968 initiierte und leitete er den Frankfurter Auschwitz-Prozeß. Die Ausstellung führt in 17 Stationen durch Bauers Lebenswerk, zu dessen herausragenden Verdiensten auch die Rehabilitation des Widerstands vom 20. Juli zählt. Hinweisen möchten wir bei dieser Gelegenheit auch auf die wichtige Arbeit von Jean-Pierre Stephan (geb. 1965), der im Bulletin des Fritz Bauer Instituts bereits aufschlußreich berichtet hat über die Freundschaft und Korrespondenz zwischen Fritz Bauer und Thomas Harlan (1929-2010), des Romanciers und Regisseurs, der in gewisser Weise Bauers Absichten unterstützte bzw. ihm zuarbeitete dadurch, daß er in den Archiven der Volksrepublik Polen seit 1960 zum Völkermord der Deutschen an den Juden recherchierte und in der Folgezeit insgesamt über 2000 Strafanträge gegen diejenigen Täter stellte, die noch lebten und sich identifizieren ließen, während in der jungen Bundesrepublik Deutschland die Amnestiekampagnen für die ehemaligen Völkermörder aus der Nazizeit liefen. (1) Er war der älteste Sohn Veit Harlans (1899-1964), des Regisseurs von so einschlägig wirksamen rassistischen Hetzfilmen wie „Jud Süß“. „Der unangemessene Umgang der Adenauer-Republik mit der deutschen Schuld war es, was Bauer und Harlan zusammenbrachte.“(1, 37) Bis 1962 war Harlans Täter-Kartei bereits auf 17000 Namen angewachsen, unterstützt von Giangiacomo Feltrinelli (1926-1972). 1967 erschien zudem das in der DDR herausgegebene „Braunbuch: Kriegs- und Naziverbrecher in der Bundesrepublik“, welches auch in der Frankfurter Ausstellung zu sehen und in einigen seiner Wirkungen dokumentiert ist, etwa betreffend Adenauers Kanzleramtsminister Hans Globke (1898-1973). Fritz Bauer war einer der ganz wenigen, die von Anfang an gegen die grassierende „Schlußstrich“-Mentalität Front machten. Er gehörte zu den wenigen Generalstaatsanwälten, welche das Angebot der DDR zum Austausch von Beweisdokumenten gegen ehemaligen NS-Verbrecher annahmen. Die spannende Ausstellung im Jüdischen Museum zeichnet mit einer Fülle von Dokumenten, Fotografien und Archivalien, sowie mit einer Folge von Hörstationen, ein gut nachvollziehbares Porträt dieses beispielhaft engagierten Menschen Fritz Bauer.

Quellenhinweise:
(1) Fritz Bauers Briefe an Thomas Harlan: Eine deutsche Freundschaft, von Jean-Pierre Stephan, in: Einsicht 09: Bulletin des Fritz Bauer Instituts, Frankfurt am Main: Frühjahr 2013, S. 36-44. Inzwischen berichtet das Fritz Bauer Institut, daß ihm die Briefe Fritz Bauers aus den Jahren 1962-1968 an Thomas Harlan überlassen worden sind (3, 1).
(2) Die Todesumstände von Generalstaatsanwalt Fritz Bauer, von Dieter Schenk, in: Einsicht 08: Bulletin des Fritz Bauer Instituts, Frankfurt am Main: Herbst 2012, S. 38-43.
(3) Ausstellung und Publikationen zu Fritz Bauer, in: Einsicht 11: Bulletin des Fritz Bauer Instituts, Frankfurt am Main: Frühjahr 2014, S. 6 ff.

Alternativkulturen im deutschsprachigen Raum Europas 1970-2000

tgregenbogen — 2014-04-17T10:54:00Z

Mary Bauermeister, All things involved in all other things (Detail), Foto: Thilo Götze Regenbogen 2010/2014.

Das Forschungsprojekt ALTERNATIVKULTUREN IM DEUTSCHSPRACHIGEN RAUM EUROPAS 1970-2000 wurde mit der "Berliner Skizze" des Vorhabens am 1. Mai 2011 gestartet und einem ersten Verteiler von Interessenten zugesandt.

Mit Stand von 1. Mai 2014 liegen bisher folgende Publikationen mit Forschungsberichten dazu im EygenArt Verlag vor und können dort bestellt werden:

Reihe FUNDUS, Heft 5: Buddhismus in der DDR als Forschungs- und Sammlungsschwerpunkt der Neun Yanas Bibliothek, Forschungsbericht 1.2012, 16 Seiten mit Abb., geheftet, 29,7 x 21 cm.

Reihe FUNDUS, Heft 6: Reimar Lenz und Hans Ingebrand als Forschungs- und Sammlungsschwerpunkt des Archiv Alternativkulturen, Forschungsbericht 2.2012, 16 Seiten mit Abb., geheftet, 29,7 x 21 cm.

Reihe FUNDUS, Heft 8: Die Sammlung Thilo Götze Regenbogen (STGR), Forschungsbericht 3.2012, 16 Seiten mit Abb., geheftet, 29,7 x 21 cm.

Reihe FUNDUS, Heft 10: Grenzgänge 1980-2008: Kulturfeldkonflikte im Pressespiegel, Forschungsbericht 5.2013, 24 Seiten mit Abb., geheftet, 29,7 x 21 cm.

Reihe PARALIPOMENA, Heft 5: Friedensreich Hundertwasser und Die unendliche Linie von Hamburg 1959, Bremen 2012; Forschungsbericht 4.2013, 20 Seiten mit Abb., geheftet, 29,7 x 21 cm.

Reihe PARALIPOMENA, Heft 7: 33 Notate 1914, eine Lektüre-Empfehlung von TGR, Forschungsbericht 6.2013, 24 Seiten mit Abb., geheftet, 29,7 x 21 cm.

Träger des Vorhabens ist das Raum 1 Forschungsinstitut für Gegenwartskunst in Hofheim am Taunus, Leitung: Thilo Götze Regenbogen.

Die Reihe FUNDUS im EygenArt Verlag publiziert Aspekte der Sammlung Thilo Götze Regenbogen und die Reihe PARALIPOMENA greift Themen wieder auf, die in den Büchern "Dialektik des Mitgefühls" (2002), "Der verschollene Diskurs" (2004) und "Feldbefreier in Kunst, Wissenschaft und Weisheit" (2010) einführend behandelt wurden und die nun im Rahmen des Forschungsprojekts Alternativkulturen weiter verfolgt wurden.

Alexej von Jawlensky und Pater Jan Willibrord Verkade

tgregenbogen — 2014-03-15T16:04:00Z

Foto: Thilo Götze Regenbogen. Seit März und noch bis Juni ist in Raum 1 Hofheim die 9. Feldbefreier-Vitrine zu sehen, zum 150. Geburtstag von Alexej von Jawlensky dessen Freundschaft und Korrespondenz mit dem Ex-Nabi und Benediktiner-Pater Jan Willibrord Verkade aus Beuron gewidmet. Wie in meinem Buch Der verschollene Diskurs (2004) nachgelesen werden kann, geht es zwischen den beiden um einen für die Beziehung von Spiritualität und Kunst grundlegenden Streit, bei dem argumentativ Jawlensky nicht mithalten konnte. Wie man aber an seinen Werkfolgen und insbesondere an den Wiesbadener Meditationen der Spätzeit sehen kann, hat er das selbst beauftragte Pensum zur Vollendung gebracht und so etwas wie die Ikonenmalerei des 20. Jahrhunderts geschaffen, während Verkade eine Fußnote seiner Nabi-Zeit geworden ist, aber auch eine Reihe sehr erfolgreicher Bücher geschrieben hat, von denen in der Vitrine drei zu sehen sind.

Gäste mit vereinbartem Besuchstermin wieder gerne willkommen!
Bitte eine Mail an tgr@tgregenbogen senden.

1914 Die Avantgarden im Kampf 2014

tgregenbogen — 2014-02-20T16:23:00Z

Ludwig Meidner, Schrecken des Krieges, 1911, Feder, Pinsel auf Papier, Courtesy Skulpturenmuseum Glaskasten Marl 2014.

Bereits im August 2013 erschien im EygenArt Verlag:
33 Notate 1914.
Eine Lektüre-Empfehlung von Thilo Götze Regenbogen
Edition 7 der Folge PARALIPOMENA im EygenArt Verlag
24 S., 2 Abb., 29,7 x 21 cm, August 2013
in gestempeltem Umschlag, EUR 15.00 zzgl. Versandpauschale EUR 3,00.

Heute wurde eine auf 60 Notate erweiterte Fassung der mit 40 Seiten sehr umfangreichen Lektüre-Empfehlung aus unserer Forschungsarbeit fertiggestellt, die allen Bestellern des Paralipomana-Heftes kostenlos als pdf-Dokument übermittelt wird. Notat 21 ist zugleich die Besprechung der vorzüglichen Ausstellung in der Bonner Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland:

"21.Die Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland in Bonn zeigt in Zusammenarbeit mit dem Pariser Grand Palais eine Ausstellung unter dem Titel „1914. Die Avantgarden im Kampf“ , die vom 8. November 2013 bis zum 23. Februar 2014 läuft. Anhand von ca. 300 Exponaten – Gemälden, Grafiken, Skulpturen, Fotografien u.a. – untersucht die Ausstellung das Schicksal der modernen Künstler im Zusammenhang mit dem Ersten Weltkrieg. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erblühte in Europa ein ganzer Strauß künstlerischer Avantgarde-Bewegungen, die im Kampf gegen das Althergebrachte und den Akademismus international neues Terrain eroberten. Während besonders zwischen Deutschland und Frankreich politische Feindschaft propagiert wurde, arbeiteten die Künstler über die Grenzen hinweg so eng zusammen wie nie zuvor.
Der Ausstellungsrundgang beginnt mit bedeutenden künstlerischen Standpunkten der Vorkriegszeit – von Picasso über Malewitsch, Kandinsky, Matisse, Lehmbruck bis zu Brancusi. Anschließend wird die „Avantgarde in Uniform“ porträtiert, denn zahlreiche Künstler zogen zunächst mit Begeisterung in den Krieg. Manche von ihnen – Boccioni, Macke, Marc, Gaudier-Brzeska – bezahlten dafür mit ihrem Leben. Für die Entwicklung der Moderne war der kriegsbedingte Zusammenbruch der internationalen künstlerischen Kooperation eine Katastrophe. Der dritte Teil der Ausstellung berichtet von den schweren Erschütterungen, die der Krieg schon seit dem Ende des Jahres 1914 bei vielen Künstlern auslöste. Existenzielle Erfahrungen von Leid und Zerstörung führten Maler und Zeichner wie Beckmann , Kirchner, Dix, Schiele oder Klee zu neuen bewegenden Themen und bildnerischen Verfahren. Als Abschluß des Rundgangs bieten wegweisende Werke von Duchamp, de Chirico, Mondrian und von Dada-Künstlern Perspektiven für das 20. Jahrhundert.
Sympathisch und überzeugend die entschiedene Haltung der Bundeskunsthalle (Intendant Rein Wolfs) und des renommierten Kurators Uwe M. Schneede, auf hochkarätige internationale Kunst zu setzen, also mit den damals entstandenen Werken selbst das Feld in chronologischer Folge zu akzentuieren, welches mit den Jahren um 1914-1918 gemeint ist. Die begleitende Ausstellung von Jay Winter „Vermißte Söhne: Der Krieg als Akt der Auslöschung“ macht zudem anschaulich, daß es eine Frage von Leben und Tod war, in die Schlachten dieser Zeit eingebunden zu sein und daß es eine Kontinuität der Trauer um die verschwundenen Toten als globales Thema gibt so wie dieser Krieg ein globaler gewesen ist. So macht die Hauptausstellung viele wichtige Tendenzen der Zeit simultan deutlich, ohne in der konkreten Raumfolge Verwirrung zu stiften: die Militanz Einzelner, die Internationale jeweiliger Patriotismen und der Kampf gegen den Materialismus der wilhelminischen Ära; den Zusammenbruch des Kunstsystems ab 1914 selbst auch dadurch, daß wichtige Künstler in Uniform steckten oder ins Exil getrieben wurden; die tiefgehenden Erschütterungen durch das Kriegserlebnis selbst; die exemplarischen Ansätze individuellen Neubeginns nach dem Kriege, dies alles dargestellt „in aller Komplexität an wesentlichen Kunstwerken“ (Schneede). Diese Ausstellung ist in der Auswahl und Einrichtung der Exponate eine kuratorische Meisterleistung. Und als P.S.: Daß der Museums-Shop abgeräumt wurde, ist ebenso wegweisend! "

Georg Büchner in Darmstadt

tgregenbogen — 2014-02-12T12:26:00Z

August Hoffmann (Zeichnung), Anton Limbach (Stich), Georg Büchner, Frontispiz in: Karl Emil Franzos, Georg Büchner, Sämmtliche Werke und handschriftlicher Nachlaß, 1879, Georg Büchner Gesellschaft e.V., Marburg, Foto: G. Schuster. Hier der aktualisierte Newsletter als PDF zum Download: TGR-NL-MathBUeCHNER-doc (pdf, 685 KB) und bitte nicht vergessen:

Am Donnerstag, den 13. Februar um 19 Uhr diskutieren Burghard Dedner , Peter Engels, Matthias Gröbel und Hartmut Holzapfel mit Ludger Hünnekens und Ruth Wagner in einem von Ralf Beil moderierten Podiumsgespräch im Vortragsaal des Staatsarchivs Darmstadt über das Thema: „Ein Museum für Büchner in Darmstadt?“ Drei Tage vor Ausstellungsschluß geht es um die Frage, ob Darmstadt einen dauerhaften Ort zum Gedenken an den berühmtesten und so früh verstorbenen Sohn der Stadt (1813-1837) findet.

Der neue Raum 1

tgregenbogen — 2014-02-10T10:00:00Z

Thilo Götze Regenbogen, 3 Werke aus der neuen Ausstellung "Thilo Götze Regenbogen, Der neue Raum 1" (2003-2014), Hofheim, Februar bis Juli 2014. Siehe auch Portfolio 9 dazu im Bereich Publikationen: http://tgregenbogen.twoday.net/stories/665714677/ Besuche bitte per Mail an tgr@tgregenbogen.de vereinbaren.

Mache ich phantastische Kunst?

tgregenbogen — 2014-02-10T09:36:00Z

Thilo Götze Regenbogen, WV-Nr. 3390 aus dem sechsten Raum 1 Akzent "Der neue Raum 1", Februar-Juli 2014. Hier PORTFOLIO 9 zum DownloadTGR-PORT-9-Mache-ich-phantastische-K- (pdf, 1,242 KB) Für Besuche in Raum 1 bitte Termin vereinbaren mit Mail tgr@tgregenbogen.de

Ein Surrealist in Paris: Otfried H. Culmanns phantastisches Passagenwerk

tgregenbogen — 2014-01-28T16:34:00Z

Ausführliche Rezension dieser empfehlenswerten Neuerscheinung im Raum 1 Informationsdienst 280114 hier zum Download: TGR-NL-RezOtfriedParis13-doc (pdf, 717 KB)

Meine Zeit mit Helmut Göring 1966-1971

tgregenbogen — 2014-01-14T16:35:00Z

Das 12. FUNDUS-Heft ist ab sofort lieferbar:

Thilo Götze Regenbogen
21 Notate zur Zeit mit Helmut Göring 1966-1971
Autobiografische Facetten, Teil 1, hrsg. von Thilo Götze Regenbogen
Heft 12 der Folge FUNDUS im EygenArt Verlag, Februar 2014
16 S., sieben Abbildungen, 29,7 x 21 cm, geheftet
in gestempeltem Umschlag, EUR 12.00 zzgl. Versandpauschale EUR 3,00

Hier eine so im Schwarzweiß-Heft nicht reproduzierbare Abbildung aus dem Text:

Thilo Götze (Regenbogen), Collage, 4. Sem. (9.11.1967, Ausschnitt)

Bestellungen per Mail oder Brief sind ab heute möglich, entweder ans Postfach 1288, 65702 Hofheim am Taunus oder an tgr@tgregenbogen.de

Ab Februar und bis Ende Mai ist in Raum 1 zu sehen:
Meine Jahre mit Helmut Göring 1966-1971.
Die 10. Feldbefreier-Vitrine in der Sammlung Thilo Götze Regenbogen
zeigt Aspekte der Arbeit von Helmut Göring (1917-2013)
an Meisterschule und Werkkunstschule Kaiserslautern:
seine Grundkurse ab 1966, die Aktkurse 1969-1970,
die Bezüge zur ars phantastica mit Radierungen von Otfried H. Culmann
und Paul Bechtler und zum 1969 gegründeten Lotos-Studio
von Thilo Götze (Regenbogen) in Bad Dürkheim an der Weinstraße.

Göring-Vitrine (Detail): Aktkorrektur, Paul Bechtler "24 Stunden Rhythmus" (1969), Grundkurs-Arbeiten, Foto: TGR

Besucher werden gebeten, einen Besichtigungstermin zu vereinbaren,
da Raum 1 keine regulären Öffnungszeiten hat.

Zur Erinnerung an den Bündner Bildhauer Giuliano Pedretti (1924-2012). Schenkung...

tgregenbogen — 2013-12-09T15:47:00Z

Thilo Götze Regenbogen, WV-Nr. 2701 „Beil des Jenatsch II“, Collage 1989. Hier der Archiv- und Forschungsbericht Portfolio 8 zur abgebildeten Collage, die seit Dezember 2013 in der Sela Giuliano Pedretti in Samedan besichtigt werden kann, dem Raum mit dem schriftlichen Nachlaß des großen Bildhauers, Sgraffiti-Meisters und Kulturforschers Giuliano Pedretti: PORTFOLIO-8-im-EygenArt-Verlag-2013 (pdf, 584 KB) Der Bericht enthält auch eine vollständige Liste unserer bisherigen Beiträge und Publikationen zum Künstler.

Joseph Beuys' "Intuition" (1968) im Vögele Kultur Zentrum in Pfäffikon (Schweiz)

tgregenbogen — 2013-11-21T16:26:00Z

Foto: Vögele Kultur Zentrum 2013. Das Vögele Kultur Zentrum der Stiftung Charles und Agnes Vögele in Pfäffikon (Schweiz) hat gerade eine spannende Ausstellung über „das Abenteuer Bildung: Über Pflicht, Lust und Ideen im Lauf der Zeit“ eröffnet, die noch bis März 2014 zu sehen sein wird. Geöffnet ist die über zwei Etagen laufende, vielfältige Präsentation Mittwoch-Sonntag 11.00-17.00 Uhr und am Donnerstag 11.00-20.00 Uhr. Ein Bulletin ist ebenfalls erschienen, in dem Konzeption und Gehalte der Ausstellung ansprechend illustriert werden. Nähere Informationen im Internet unter der Adresse voegelekultur.ch.
Foto: Vögele Kultur Zentrum 2013. Die von Dr. Andreas Schwab und Dr. Beate Schappach (Palma3, Bern) kuratierte Ausstellung beleuchtet das Thema Bildung als Abenteuer, Erfahrung und Erinnerung, als lebenslange Aufgabe. Die Sammlung Thilo Götze Regenbogen ist mit dem Multiple „Intuition“ (1968) von Joseph Beuys beteiligt. Die Kuratorin Beate Schappach schrieb den Text, der nun am Podest der zugehörigen Vitrine zu lesen ist:
Foto: Vögele Kultur Zentrum 2013. „Vor dem Hintergrund der Aufbrüche der 68er Bewegung wollten viele Künstler das Verhältnis von Kunst und Gesellschaft neu denken. Mit den ‚Intuitionskisten‘ präsentierte Joseph Beuys diesen Anspruch öffentlich. Statt als Dozent seine handverlesene Meisterklasse an der Kunstakademie Düsseldorf zu unterrichten, baute er 12000 Holzkisten und verkaufte sie vor den Toren der Akademie zum Preis von 8 DM: künstlerische Intuition für jedermann. Kreativität sollte nicht einer Elite vorbehalten bleiben und Kunstwerke nicht in Kunsttempeln bewundert werden. Sie sollte im Alltag wirksam werden und zu gesellschaftlicher Veränderung beitragen. Ist es Ironie des Schicksals, dass die Intuitionskisten heute in Kunstsammlungen bestaunt werden?´" Beide Kuratoren zeichneten 2008 auch für die bahnbrechende Ausstellung "Die 68er" im Historischen Museum Frankfurt am Main verantwortlich, die im ganzen deutschsprachigen Raum Europas Beachtung fand. Die Sammlung Thilo Götze Regenbogen, zu der auch das Archiv Alternativkulturenund das Joseph Beuys Archiv gehören, hat 2008 auch dieses ambitionierte Vorhaben durch umfangreiche Leihgaben unterstützt.

Ausstellung zu Padmasambhava in Berlin

tgregenbogen — 2013-11-22T10:09:00Z

Foto: Sammlung Thilo Götze Regenbogen.

Museum für Asiatische Kunst, Berlin
28. November 2013 - 6. April 2014:

Die Acht Aspekte des Kostbaren Lehrers - Padmasambhava in Kunst und Ritual im Himalaya
Padmasambhava - ehrenvoll auch Guru Rinpoche, "Kostbarer Lehrer" genannt - gilt als der wichtigste tantrisch-buddhistische Meister der Himalayaregion und unter vielen Praktizierenden des tibetischen Buddhismus auch als der "zweite Buddha", obwohl dieser Titel auch schon dem Mahasiddha Nagarjuna gegeben worden ist. Ihm wird zugeschrieben, im 8. Jahrhundert den Buddhismus in diesem weitläufigen Gebiet etabliert zu haben. Dies soll ihm durch die Bezwingung von Dämonen und lokalen Gottheiten sowie durch einen Ritualtanz gelungen sein, der als Prototyp heutiger Maskentänze gilt. Einige Dämonen transformierte er sogar zu Beschützern der Religion, die bis heute Hauptfiguren in tibetischen Ritualtänzen (Cham) sind.
Im Zentrum der Berliner Ausstellung stehen Padmasambhavas acht Erscheinungsformen. Sie sind in Thangkas, Masken, Ritualgegenständen, an Pilgerorten und in rituellen Tänzen verkörpert. Um sowohl die alte und historische als auch die zeitgenössische und lebendige Tradition von Padmasambhava aufzuzeigen, wird mittelalterliche Geschichte des Himalaya mit Kunstobjekten aus späterer Zeit und mit Filmaufnahmen und Masken von heute in Dialog gesetzt. Dabei steht das neu restaurierte Thangka-Set (neun Malereien) des Museums für Asiatische Kunst im Fokus der Ausstellung. Zum ersten Mal wird das Thema Guru Rinpoche und seine acht Erscheinungsformen gemeinsam von Kunsthistorikern und Ethnologen präsentiert. Kunsthistoriker analysieren die Darstellung von Guru Rinpoche und seinen acht Aspekten und die historischen Ursprünge. So wurden die Berliner Thangkas nicht nur einer systematischen Analyse unterzogen, sondern auch als materielle Kulturträger zwischen Ritualobjekt und Verkörperung von Geschichte in ihrem spezifischen kulturellen Kontext untersucht. Ethnologen beleuchten den Ritualkontext und wie die Tradition der Verehrung Padmasambhavas bis heute das Alltagsleben der Menschen in Bhutan und Ladakh beeinflusst.
Neben der neunteiligen Thangka-Folge und weiteren Objekten aus der Sammlung des Museums für Asiatische Kunst und des Ethnologischen Museums werden neue, von einem tibetischen Maskenbauer hergestellte Cham-Masken präsentiert. Jeder Schritt im Herstellungsprozess dieser Masken wurde in Ladakh fotografiert und dokumentiert. Die Reihe von neun Masken stellt die acht Aspekte von Guru Rinpoche in den Cham-Tänzen dar, die insbesondere während der alljährlich stattfindenden Tshechu-Feste zu Ehren Padmasambhavas in Klöstern der Nyingmapa- und Drugpa-Kagyü-Schulen im tantrisch-buddhistischen Himalayaraum sowie in Tibet und im tibetischen Exil aufgeführt werden.
Doch Guru Rinpoche hat auch an bestimmten Orten und in Felsen, die später zu seinen Pilgerstätten wurden, seine Spuren hinterlassen. Der für die Ausstellung in Auftragsarbeit aufgenommene Film "Gomphu Kora Tshechu - ein Pilgerfest zu Ehren Guru Rinpoches in Ostbhutan" zeigt einerseits den Pilgerort Gomphu Kora, an dem Padmasambhava wichtige Dämonen besiegte, und andererseits die Maskentänze des Guru Tsengye, die ihm zu Ehren hier während des Tshechu aufgeführt werden. Der 30 minütige-Film ist im Medienraum der Ausstellung fortlaufend zu sehen.
Auch Ritualgegenstände wie Vajra (Diamantzepter) und Phurba (Ritualdolche), die zu den wichtigsten Attributen und "Werkzeugen" Padmasambhavas gehören, werden ausgestellt und zu Fotografien der Masken und Tänze sowie Landschaftsaufnahmen von heiligen Orten, in denen Guru Rinpoche verkörpert ist, in Bezug gesetzt. So werden die Ausstellungsobjekte in lebendige Zusammenhänge zwischen erzählter Legende und historischen Ereignissen einerseits und eine in ihre Landschaft und ihr Ritual eingebettete Kultur anderseits gebracht. Wissenschaftliche Fachvorträge, Führungen, Meditationsanleitungen für Erwachsene sowie Tanzworkshops für Kinder und Jugendliche werden im Begleitprogramm angeboten.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Kuratorin: Lilla Russell-Smith
Ko-Kurator: Hans-Werner Klohe

Veranstalter: Museum für Asiatische Kunst, Ethnologisches Museum in Kooperation mit dem Ethnologischen Museum, Staatliche Museen zu Berlin und der Humboldt-Universität zu Berlin.

Ein Hinweis in eigener Sache: In der Sammlung Thilo Götze Regenbogen finden sich zahlreiche Darstellungen Padmasambhavas und die dortige Neun Yanas Bibliothek enthält viele Titel zu diesem herausragenden Meister, der seit langem auch Wirkung im Westen entfaltet.

ich verfechte gar nichts: ich schreibe einfach klein, weil ich das so möchte. punkt. bei...

david ramirer — 2013-11-21T21:01:24Z

ich verfechte gar nichts: ich schreibe einfach klein, weil ich das so möchte. punkt.
bei etwas zu scheitern oder dass etwas schlicht nicht gelingt - das scheint im kanon der kunstbewertung nicht mehr vorzukommen. das finde ich schade, ganz ehrlich, weil es die wahrnehmungen langsam aber stetig immer mehr einebnet. kritik hat keine kanten mehr, und das ist ein herber verlust (für mich).

der ausstellung im pfäffikon wünsche ich viel erfolg, auch das ganz ehrlich!

Für kreative Verschimmelung

tgregenbogen — 2013-11-21T17:08:13Z

Die Verfechter radikaler Kleinschreibung sind doch allzu gerne mit sarkastischen Bemerkungen bei der Hand. Nicht mal die Kunstwerke der Dadaisten oder der Konzeptualisten verschimmeln pauschal in unseren Museen, noch sind alle irgendwie dauernd gescheitert. Es geht eben weiter und die Ausstellung in Pfäffikon versucht, einen bemerkenswerten Beitrag dazu zu leisten.

das ist nicht nur eine köstliche ironie des schicksals - es ist auch ein drastischer...

david ramirer — 2013-11-21T16:47:51Z

das ist nicht nur eine köstliche ironie des schicksals - es ist auch ein drastischer beleg für das multiple scheitern von beuys und seinen zentralen anliegen.
aber er ist damit nicht alleine: duchamp und die dadaisten wollten auch die museen angreifen und ihre werke verschimmeln nun in denselben. wer zuletzt lacht ;)

Anish Kapoor bis 24.11.13 im Gropiusbau Berlin

tgregenbogen — 2013-11-14T10:16:00Z

Anish Kapoor, 1st Body, 2013, Kunstharz (Detail), Copyright Anish Kapoor/VG Bild-Kunst Bonn 2013, Foto: TGR. Der 1954 in Bombay geborene und in England ausgebildete Künstler hat während 30 Jahren ein herausragendes und sublimes Werk an Skulpturen geschaffen, das sich durch visuelle Prägnanz, leuchtend reine Farbigkeit und universelle Symbolik auszeichnet. Seinen umfangreichen Serien von pigmentierten Objekten und nun lackiertem Fiberglas und Edelstahl eignet eine spirituelle, raumbezogene Dynamik, welche sich im Prozeß der Werkbegegnung manifestiert (Mother as a Void, 1989-90; Building for a Void, Descent into Limbo, beide 1992). Wir haben aus unserer Berliner Dokumentation bewußt zwei Arbeiten aus dem jüngsten Werkzyklus ausgewählt, weil sie so vieldeutig und kraftvoll zum Ausdruck bringen, wo wir jetzt stehen. Die resultierenden Figurationen wirken trotz der amorphen Masse als Spirale, Tropfsteinsegment, Stamm allerdings keineswegs beliebig.

Anish Kapoor, Stick Men I-X (Detail), Zement, 2012-2013, Copyright Anish Kapoor/VG Bild-Kunst Bonn 2013, Foto: TGR. Hier einige Impressionen: Im großen Saal die Wucht des Geschehens in der Vorstellung, was hier passiert ist oder passieren könnte, kontrastiert vom leisen Geräusch der Förderbänder in der Realität. Unvorhersehbar, wann etwas geschieht. Und schon stürzt ein roter Quader; mit lautem Knall trifft er auf die schon am Boden liegenden auf.
Duftende Tore organischen Materials in Zartrosa. Zahlreiche Entdeckungsmöglichkeiten neuester Arbeiten dieses vielseitigen Künstlers. Größe des Werkes gleich Stärke des Eindrucks? Ich weiß es noch nicht. Jedenfalls nehmen die Formate weiter zunehmend monumentale Ausmaße an. Die Arbeit mit PVC-Plane „The Death of Leviathan 2011-2013“ lebt dagegen von der Vorstellung ihrer Größe. „Shooting into the Corner“: Alles wartet gespannt oder entspannt – das ist es, was geschieht, das Warten, Sein, das Werk der Anlaß.
„Decent into Limbo“ von 1992 (documenta 1992, eingeladen von Jan Hoet, die wichtigste documenta für unseren Forschungsschwerpunkt!), neu installiert für Berlin, bleibt ein Geheimnis der Vorstellungskraft.
Erstaunlich: Eine schwarze Ecke von Kapoor, "Dirty Corner", 2010), aber kein Kommentar zu Beuys, denke ich.

Alles in allem eine herausragende Präsentation dieses Ausnahmekünstlers, Retrospektive und aktuelle Werkschau in einem, sowohl die stilleren wie die spektakulären Werke umfassend. Am 1. November meldet der Gropiusbau den 100000. Besucher. Salut! Es ist noch Zeit bis zum 24. November, die Zahl zu verdoppeln! Wir wünschen gutes Gelingen und danken für eine ausgezeichnete kuratorische Arbeit des Martin-Gropius-Bau Berlin.

Ang Tsherin Sherpa und die tibetische Gegenwartskunst

tgregenbogen — 2013-11-12T08:25:00Z

Ang Tsherin Sherpa, BABY SPIRIT # 1, 23" x 17.5", Gouache, acrylic and gold leaf on paper, 2010, Copyright Ang Tsherin Sherpa/Rossi & Rossi 2013. Hier die ausführliche Besprechung und Kritik: TGR-ATS2013a-doc (pdf, 500 KB)

Ludwig Meidner 2013-2014

tgregenbogen — 2013-10-21T09:51:00Z

Ludwig Meidner, Die Abgebrannten (Heimatlose), 1912, Öl auf Leinwand © Museum Folkwang.

Seit diesem Herbst ist einer der herausragenden Einzelgänger unter den expressionistischen Künstlern, der Schriftsteller und Zeichner, Grafiker und Maler Ludwig Meidner (1884-1966) wieder häufiger präsent in Ausstellungen und Publikationen. Dies resultiert zum einen aus der in den letzten Jahren geleisteten Forschungsarbeit und zum anderen aus einem Großthema der Erinnerungskultur, welches seine Schatten bereits in diesem Herbst vorauswirft: dem Beginn des Ersten Weltkrieges im Jahre 1914. Zu letzterem Thema ist bereits im August 2013 eine Studie erschienen:

33 Notate 1914.
Eine Lektüre-Empfehlung von Thilo Götze Regenbogen
Edition 7 der Folge PARALIPOMENA im EygenArt Verlag
24 S., 2 Abb., 29,7 x 21 cm, August 2013.
Dieser Text faßt zugleich zahlreiche der geplanten Veranstaltungen zum Thema zusammen, wie der Autor auf grundlegende Fragestellungen der Gedenkkultur, von 1914 und zur Frage des Mythos eingeht.

Folgende Publikationen, ebenfalls basierend auf den Forschungsarbeiten von Thilo Götze Regenbogen, liegen bisher außerdem vor:

Thilo Götze Regenbogen: Apokalypse, Meidner, Bloch. Zur Meidner-Grafik aus dem „Septemberschrei“ im Tübinger Arbeitszimmer von Ernst Bloch, in: Frank Degler (Hrsg.), Bloch-Almanach 30/2011, Ernst-Bloch-Archiv der Stadt Ludwigshafen am Rhein, Mössingen-Talheim: Talheimer Verlag 2011, S. 39-66.

Thilo Götze Regenbogen, Karola Bloch und Ludwig Meidner: Freundschaft und Korrespondenz, in: Irene Scherer/Welf Schröter (Hrsg.), Karola Bloch – Architektin, Sozialistin, Freundin; Mössingen-Talheim: Talheimer Verlag, Oktober 2010, S. 119-149.

Thilo Götze Regenbogen, Ludwig Meidner, in: ders., Feldbefreier in Kunst, Weisheit und Wissenschaft: Buddhismus und Kunst, Zweiter Teil, Band 3 der Schriftenreihe des Raum 1 Forschungsinstituts für Gegenwartskunst Hofheim am Taunus im diagonal-Verlag Marburg, Dezember 2010, S. 112.

In diesem Herbst ist außerdem ein voluminöser Band zu Meidners künstlerischer Arbeit im Prestel-Verlag erschienen, der verspricht, ein Standardwerk aller künftigen Meidner-Forschung zu werden. Herausgegeben von Gerd Presler, einem Fachmann für Künstler-Skizzenbücher (darunter Kirchner, Munch, Baumeister und Beckmann) und Erik Riedel, dem verdienstvollen Leiter des Ludwig Meidner-Archivs im Jüdischen Museum Frankfurt am Main, liegt jetzt die zweisprachige (deutsch/englisch) Originalausgabe von Ludwig Meidners Catalogue raisonné (Werkverzeichnis) der Skizzenbücher vor.
Mit 496 Seiten im Format 30 x 24 cm und 1925 Farbabbildungen ist damit ein Buch über diesen leider immer wieder mal fast vergessenen deutsch-jüdischen Künstler entstanden, der von den Nationalsozialisten als „entartet“ gebrandmarkt und ins Exil getrieben wurde und dessen Künstlerleben nun auch anhand der kontinuierlichen Skizzen dokumentarisch verankert werden kann. Das beginnt bei den ersten Versuchen des Fünfzehnjährigen, setzt 1916 im Kriegsgefangenenlager Merzdorf bei Cottbus ernsthaft ein und geht bis zu den letzten Blättern aus dem Todesjahr in Darmstadt 1966.
Zwei einführende Essays der Herausgeber geben dem Werk wissenschaftliches Gewicht, wobei bemerkenswert ist, daß Gerd Presler seinen Beitrag Thomas Grochowiak (1914-2012) widmet, dem am 26.11.12 verstorbenen Künstler, Kurator und ersten großen Biographen Meidners, an den hier ebenfalls erinnert werden soll.

Die enorme zeichnerische Begabung Meidners, der spontane Einfallsreichtum seiner Linienführung, die ekstatische Ausdruckskraft seiner skripturalen Gestik erinnern zuweilen an Rembrandt und gehören zum Besten, was die Kunst des Expressionismus hervorgebracht hat. Allerdings darf nicht verschwiegen werden, daß dieser „heißeste Krater“ der vulkanischen Phase des frühen Expressionismus (Willi Wolfradt 1920) sich bereits während des Ersten Weltkriegs einer traditionell-religiösen jüdischen Lebensweise zuwandte und seine Ausdrucksmittel erheblich mäßigte und rundete. Damit wurde er exemplarisch zu einem derjenigen Künstler, welche durch eine religiös-weltanschauliche Neuausrichtung von eher avantgardistischen künstlerischen Mitteln zu einem gemäßigten Realismus fanden – ein stilistischer Bruch, der bis heute die Meidner-Rezeption bestimmt hat.
Dies ist möglicherweise einer der für den Umstand entscheidenden Gründe, daß bis heute kein Werkverzeichnis von Meidner vorliegt und daß mit den Skizzenbüchern dazu nun endlich ein Anfang gemacht wurde – so die Hoffnung der Autoren.

Im Unterschied zu einigen generalisierenden Aussagen des Mitherausgebers Gerd Presler, die dieser bei der Vorstellung des Werkes im Jüdischen Museum Frankfurt am 2.10.13 mitteilte, handelt es sich bei Meidners Skizzen allerdings so gut wie nie um Entwürfe und Vorzeichnungen zu größeren Werken in anderen Techniken, sondern um selbständige Arbeiten, von denen er eine Fülle in Pastell, Kohle und Bleistift hinterlassen hat. Schon aus der großen Bedeutung, die dem expressiven zeichnerischen Duktus in Meidners Gesamtwerk zukommt, erschließt sich dies völlig plausibel. Es ging ihm immer um den jeweils besonderen Moment, sehr selten nur um Vorplanung. Treffsicher im figurativen Detail strebt die Linie zu schwungvollen Ausschmückungen, die man als expressive Ornamentik verstehen könnte. Die hat sich auch in den späteren Jahren, tonig oder farbig gefaßt, immer mal wieder Geltung verschafft.
Die hier versammelten 51 Skizzenbücher machen die große Bandbreite der Ausdrucksmittel deutlich, welche sich Ludwig Meidner bei allem erkennbaren Personalstil erarbeitet hatte und die nun erstmals vollständig dokumentiert sind.
Wie Raphael Gross, der Direktor des Jüdischen Museums Frankfurt, zu Beginn des Bandes betont, ist die „Erforschung der Skizzenbücher Ludwig Meidners“ damit „noch keineswegs abgeschlossen“ und das umfangreiche Werk sei eher zu verstehen „als Materialsammlung und Aufforderung zu einer weiteren kunstwissenschaftlichen Auseinandersetzung mit Meidners zeichnerischem Werk.“ Dieser bescheidene Gestus darf nicht darüber hinwegtäuschen, daß dieses Pionierwerk durch sorgfältige Ausstattung, vorzügliche Druckqualität, Übersetzungen der Texte in den Skizzenbüchern und ein ausführliches Personenregister Maßstäbe setzt.

Ludwig Meidner, Werkverzeichnis der Skizzenbücher: Catalogue Raisonné of his Sketchbooks, hg. Gerd Presler und Erik Riedel, 496 S., 1925 Abb., 30 x 24 cm, gebunden, Prestel Verlag, September 2013.

Ernst Ludwig Kirchner, Selbstporträt im Atelier Berlin-Friedenau, Körnerstr. 45, 1915, Fotografie (Vintage print), Kirchner-Museum, Davos.

Wie ebenfalls während der Frankfurter Buchpräsentation zu erfahren war, wird die epochale Ausstellung der Bundeskunsthalle Bonn unter dem Titel „1914. Die Avantgarden im Kampf“ ab dem 8. November d. J. und bis zum 23. Februar 2014 auch eine ganze Folge von Meidner-Skizzenbüchern erstmals zeigen; aus einem Zeitraum, der sowohl weltgeschichtlich wie für Meidner persönlich von großen Erschütterungen, Herausforderungen und Sichtveränderungen geprägt gewesen ist.

Seit dem 19. Oktober d. J. und noch bis zum 19. Januar 2014 zeigt zudem die Städtische Galerie Dresden die Ausstellung „Das Jahr 1914. Ludwig Meidner in Dresden.“ Der Fokus liegt hier auf dem sog. Großstadt-Expressionismus aus der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg in Meidners Wohnort Berlin, wo zugleich in sehr wenigen Jahren und oft prophetisch das Grauen vorwegnehmend, die Folge der „Apokalyptischen Landschaften“ entstanden ist. Zwischen 1913-1914 verbrachte Meidner zudem auch mehrere Monate in Dresden, wo z.B. seine „Anleitung zum Malen von Großstadtbildern“ entstanden ist. Meidners Werk wurde bisher noch nie zusammenhängend in Dresden gezeigt. Ziel der Ausstellung ist es daher auch, diese Lücke in der Rezeption zu schließen. Mit über 100 Werken aus dem Zeitraum 1912-1916 aus fast dreißig deutschen Museen und Privatsammlungen soll ein dichtes Bild dieser spannenden Jahre in Meidners Schaffen vorgestellt werden.

Die beiden längeren, oben bereits erwähnten Forschungsberichte von Thilo Götze Regenbogen aus den Jahren 2010-2011 behandeln erstmals alle diese Themen im Zusammenhang der Zeit und von Meidners Freundschaft mit Karola Bloch (1905-1994), deren Zeichenlehrer er in Berlin gewesen ist und die von ihm damals und dann wieder 1960 auch porträtiert worden ist.

Die publizierenden Ausstellungsinstitute und Verlage sind im Internet zu finden:

http://juedischesmuseum.de/ludwig-meidner-archiv.html
http://www.galerie-dresden.de/
http://www.randomhouse.de/prestel/
http://www.bundeskunsthalle.de/index.html
http://tgregenbogen.twoday.net/stories/498218205/
http://www.talheimer.de/
http://www.diagonal-verlag.de/18n-buch.html

Mache ich Konzeptkunst?

tgregenbogen — 2013-10-19T12:47:00Z

Aus Raum 1 Hofheim, Foto: TGR. Es folgt als PDF zum freien Download das neue PORTFOLIO-Heft 7TGR-PORT7-Mache-ich- (pdf, 1,261 KB)

Thilo Götze Regenbogen
MACHE ICH KONZEPTKUNST?
Eine Betrachtung durch acht Werkphasen 1965-2013. Mit einer Einführung in die
9. Werkphase und einer Kulturfeld-Anmerkung zum Werk von Jonathan Meese.
Ausgabe 7 der Folge PORTFOLIO im EygenArt Verlag
Oktober 2013

Carlfriedrich Claus mit Ernst und Karola Bloch: Publikationen 2005-2013

tgregenbogen — 2013-10-19T07:51:00Z

Versandrolle vom 17.6.1975, Courtesy Ernst-Bloch-Archiv Ludwigshafen am Rhein, Foto: Thilo Götze Regenbogen 2010.

Folgende Publikationen, basierend auf den Forschungsarbeiten von Thilo Götze Regenbogen, liegen jetzt vor:

Thilo Götze Regenbogen, Denklandschaften. Erster Wegweiser zu Korrespondenz und Werkzusammenhang von Karola und Ernst Bloch mit Carlfriedrich Claus, in: Karlheinz Weigand (Hrsg.), Bloch-Almanach 24/2005, Ernst-Bloch-Archiv der Stadt Ludwigshafen am Rhein, Mössingen-Talheim: Talheimer Verlag 2005, S. 127-144.

Thilo Götze Regenbogen, Nachtkristalle: Carlfriedrich Claus und Albert Wigand, Edition 3 der Folge PARALIPOMENA im EygenArt Verlag, Hofheim am Taunus: EygenArt Verlag in Raum 1, Juni 2010.

Thilo Götze Regenbogen, „Bewegt-bewegend“ - Carlfriedrich Claus und Ernst und Karola Bloch: Korrespondenzen 1960-1985. Ein erster Blick in das Gerhard Wolf-Konvolut, in: Irene Scherer/Welf Schröter (Hrsg.), Karola Bloch – Architektin, Sozialistin, Freundin; Mössingen-Talheim: Talheimer Verlag, Oktober 2010, S. 243-306.

Thilo Götze Regenbogen, Ein Eurasier der Sprachprozesse: Carlfriedrich Claus zum 80., in: ders., Feldbefreier in Kunst, Weisheit und Wissenschaft: Buddhismus und Kunst, Zweiter Teil, Band 3 der Schriftenreihe des Raum 1 Forschungsinstituts für Gegenwartskunst Hofheim am Taunus im diagonal-Verlag Marburg, Dezember 2010, S. 238-262.

Thilo Götze Regenbogen/Welf Schröter, Carlfriedrich Claus und Ernst und Karola Bloch: Korrespondenzen. Einladung zur Zusammenarbeit für ein Editions- und Forschungsprojekt 2010-2012. Erster Entwurf: Thilo Götze Regenbogen und Welf Schröter, Stand: 18.3.2010 (ungedruckt).

Thilo Götze Regenbogen: Ernst Bloch, Karola Bloch und Carlfriedrich Claus – Korrespondenzen 1960-1988/1995. Die Bestände im Ernst-Bloch-Archiv Ludwigshafen am Rhein und im Carlfriedrich Claus-Archiv Chemnitz – eine Synopse, in: Frank Degler (Hrsg.), Bloch-Almanach 32/2013, Ernst-Bloch-Archiv der Stadt Ludwigshafen am Rhein, Mössingen-Talheim: Talheimer Verlag 2013, S. 183-217.

Die publizierenden Verlage sind hier zu finden:

http://tgregenbogen.twoday.net/stories/498218205/
http://www.talheimer.de/
http://www.diagonal-verlag.de/18n-buch.html

Yoko Ono erhält den Theodor-Wanner-Preis des ifa 2013

tgregenbogen — 2013-10-18T07:12:00Z

Foto: Thilo Götze Regenbogen 2013. Yoko Ono wird am Donnerstag, den 17. Oktober in Berlin mit dem Theodor-Wanner-Preis des ifa (Institut für Auslandsbeziehungen) ausgezeichnet.

Die Multi-Media- und Fluxus-Künstlerin, Friedensaktivistin und Feministin wird für ihr Lebenswerk geehrt, das in radikaler Grundsätzlichkeit sich selbst und anderen gegenüber vom Handeln für Frieden und Dialog bestimmt ist. Yoko Ono erhält die mit 10.000 Euro dotierte Auszeichnung für ihre Verdienste um den Dialog der Kulturen, Frieden und Völkerverständigung. Sie hat mit ihrer Arbeit das Bewusstsein der Welt für Frieden als absoluten Wert und die Rolle der Kunst und Kultur darin zusammen mit ihrem Mann John Lennon nachhaltig beeinflusst.

Die Schirmherrschaft des Theodor-Wanner-Preises hat der Bundesaußenminister. Guido Westerwelle hält am Abend der Preisverleihung die Laudatio. Die vom Förderverein des ifa gestiftete Auszeichnung erinnert an den Gründer des ifa, Theodor Wanner. Das Preisgeld ist zweckgebunden und fließt direkt in ein vom Preisträger ausgewähltes Projekt.

Dieses Mal kommt das Preisgeld dem von dem kenianischen Fotografen und Aktivisten Boniface Mwangi gegründeten Forum Pawa 254 zugute. Das Forum Pawa 254 unterstützt Journalisten, Künstler und Aktivisten dabei, innovative Wege gegen soziale Ungerechtigkeit zu gehen.

Seit 2009 verleiht das Institut für Auslandsbeziehungen den Theodor-Wanner-Preis an Personen, die mit ihrem wissenschaftlichen, sozialen, gesellschaftspolitischen, künstlerischen, unternehmerischen oder finanziellen Engagement Herausragendes für den Dialog der Kulturen leisten oder geleistet haben.

Erster Theodor-Wanner-Preisträger war 2009 der Generalmusikdirektor der Staatsoper Berlin und Leiter des West-Eastern Divan Orchestra, Daniel Barenboim, der mittels Musik einen wichtigen Beitrag zur israelisch-arabischen Annäherung leistet. Den Theodor-Wanner-Preis 2010 erhielt Carla Del Ponte, die ehemalige Chefanklägerin der Internationalen Strafgerichtshöfe in Den Haag für Ruanda und das ehemalige Jugoslawien. 2011 wurde Dr. h. c. Jacques Delors mit dem Preis geehrt, ehemaliger Präsident der Europäischen Kommission, der durch seinen Einsatz für den Vertrag von Maastricht entscheidend an der Schaffung der europäischen Wirtschafts- und Währungsunion beteiligt war und als einer der einflussreichsten Europapolitiker gilt.

Über das ifa
Das ifa (Institut für Auslandsbeziehungen) engagiert sich weltweit für Kunstaustausch, den Dialog der Zivilgesellschaften und die Vermittlung außenkulturpolitischer Informationen. Das ifa ist die älteste deutsche Mittlerorganisation für Auswärtige Kultur- und Bildungspolitik und wird vom Auswärtigen Amt, dem Land Baden-Württemberg und der Landeshauptstadt Stuttgart gefördert.

Wir gratulieren Yoko Ono und erinnnern bei dieser Gelegenheit an unseren ausführlichen Ausstellungsbericht zu Yoko Ono in der Schirn Kunsthalle Frankfurt in diesem Jahr: http://tgregenbogen.twoday.net/stories/235542196/